Julieta (Pedro Almodóvar, 2016)

Anoche volví a disfrutar de la última propuesta de Pedro Almodóvar para este 2016. Qué gusto da reencontrarse con un drama de categoría en casa, tras haberla contemplado cuando se estrenó en cines, a principios del pasado mes de abril.

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Julieta, que antes se tituló Silencio (título que se desechó para no confundirla con lo último de Scorsese), está inspirada en Destino, Pronto y Silencio, tres relatos de Alice Munro, de su libro Escapada (2004).

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Julieta es una película de confesiones tardías. De silencios que esconden secretos y mucho dolor. De la incapacidad para comunicar y por tanto, la consecuencia de autocastigarnos. De comportamientos que se heredan. De sentimientos de culpa que provocan silencio y dolor.

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Son unos pocos elementos (culpa,silencio, dolor) pero que Almodóvar combina magistralmente en distintas situaciones, y jugando con el tiempo.

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Emma Suárez y Adriana Ugarte son dos caras de la misma moneda. Son la misma Julieta, pero mientras la primera es la Julieta madura del presente, aparentemente feliz hasta que un encuentro con el pasado, le da la vuelta a su vida completamente, Ugarte es Julieta de joven, guapa, abierta a la vida, al amor, al desamor, a que la hieran y a provocar dolor, también.

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La contemplación del pasado y del presente, de la vida de ambas en tiempos distintos, está muy bien desarrollada narrativamente. Un libro es la excusa de Julieta para explicarle a su hija (distante en el tiempo y en la relación con su madre) los secretos de aquella Julieta joven, donde la culpa, el dolor y el silencio ya hacen acto de presencia por primera vez.

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Ambas están espléndidas, aportando en cada momento temporal lo que el personaje requiere, y por tanto, se complementan de tal forma que el todo (Julieta, de antes y de ahora) es bellísimo.

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La Julieta joven se relaciona con distintos personajes, entre los que cabe destacar a Daniel Grao, como Xoan, el primer gran amor de su vida y padre de su hija. Es muy notable su naturalidad en pantalla, su química con Julieta (Ugarte) y el silencio que también él encierra.

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Rossy de Palma es Marian, la que cuida y guarda la casa de Xoan, pero además, guarda los secretos más vitales, aquellos que cambiarán la vida de muchas personas. Rossy luce estupenda, mezclando maldad y bondad con la misma frescura.

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Inma Cuesta, en el papel de Ava, es el nexo de unión entre el pasado y el presente. También está magnífica, natural, bella, como amiga de Xoan y de Julieta. Es el gran consuelo de todos. Y también ella guarda secretos.

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Dario Grandinetti, como Lorenzo Gentile, demuestra una vez más ser un ejemplo de gran presencia y de eficacia en escena. Sus silencios son naturales, no obedecen a situaciones del pasado, no están llenos de culpa.Es ese salvavidas, esa segunda oportunidad que todos merecemos, seamos culpables o no.

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Con Julieta, Almodóvar vuelve a escribir y dirigir una de sus historias más redondas, más completas, a base de recomponer desde el relato presente, los sentimientos y vivencias del pasado, y si le añadimos la presencia habitual y deseada de Alberto Iglesias, en la música (preciosa y adecuada), de José Salcedo en el montaje y la novedad del francés Jean Claude Larrieu en la fotografía, tenemos un drama maravilloso, de los de antes pero muy actual, muy presente (el silencio, la culpa y el dolor nunca pasan de moda), que hará que durante poco más de hora y media nosotros también sintamos culpa y dolor, y guardemos silencio, pero en cualquier caso, seamos felices en el proceso.

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Calificación: 10

En el estanque dorado (On golden pond, Mark Rydell, 1981)

En 1981, el  cineasta neoyorquino Mark Rydell llevaba a la gran pantalla,  una obra estrenada en Broadway dos años antes, titulada En el estanque dorado (On golden pond). Su autor era un jovencísimo escritor, Ernest Thompson, que previamente había hecho breves apariciones, como actor, en alguna serie o película para la televisión.

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Thompson había pasado bastantes veranos de su adolescencia en el Great Pond (Gran Estanque), dentro del estado de Maine, situado al noreste de los EEUU. Allí situó la acción de la obra que luego guionizó para la gran pantalla.

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La, por entonces, ya gran estrella (con dos Oscar en su haber) Jane Fonda compró los derechos de la obra con el único propósito de que su padre, Henry Fonda, interpretara el personaje principal de la misma, en el cine.

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El film nos cuenta la historia de una pareja, de avanzada edad, que, como cada primavera, desde hace bastantes años, regresa al Estanque Dorado para pasar allí los meses más amables en el aspecto climatológico, del calendario.

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Norman Thayer Jr, antiguo profesor de Universidad, y Ethel Thayer, su esposa, vuelven al lugar donde han sido muy felices,

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cual pareja de colimbos,  esas aves acuáticas que, cada primavera llegan al estanque para anidar y criar a su nueva prole.

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En el caso de nuestros protagonistas, ya no están en edad de procrear. Su única hija, Chelsea, hace años que abandonó el nido y vive en Los Ángeles, al otro lado del país.

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Hace ya mucho tiempo que no la ven, pero aquel verano será diferente. Chelsea ha prometido hacerles visita con ocasión del 80 cumpleaños de su padre. Pero eso no es todo: viene con su nuevo novio, Bill, un dentista al que las cosas parecen irle muy bien,  y además, les acompaña Billy,  el hijo de éste.

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Henry Fonda interpreta de manera extraordinaria, al cascarrabias anciano protagonista. Notable nadador en su juventud (medalla de plata en los años veinte) y de brillante mente (durante décadas, impartió clases en la Universidad), ve con cierto aire fatalista, como los años se le echan encima. Primero fueron los achaques físicos de la edad, pero ahora también padece esas lagunas mentales que, de vez en cuando, le hacen olvidar quién es él o los que lo rodean, o incluso, dónde está.

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Lo que no ha perdido es su fuerte genio y su sarcasmo, que pone a prueba siempre que puede. La riqueza de matices de Fonda son una completa lección de actuación. Con sus gestos, plenos de significado, enfatiza sus frases, dotándolas de gran naturalidad y verosimilitud. Nos hace reír y nos hace llorar, nos enerva y nos da calma. En definitiva, estamos ante la última de sus actuaciones en pantalla, que sirvió de guinda, a la brillante carrera de uno de los mejores actores de todos los tiempos.

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Aquel año recibió todos los honores como actor: el Bafta británico, el Globo de Oro en la categoría de drama y el ansiado Oscar, que tanto se le resistía. Gravemente enfermo, no pudo asistir a una Ceremonia en la que su hija, Jane, recogía el premio en su nombre, y hacía emocionar a todos los que la veían desde sus hogares,

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y por supuesto a su padre, a quien le dio tiempo de entregar la preciosa estatuilla, poco antes de fallecer.

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Katharine Hepburn, como Ethel, la esposa de Norman, con  unos cuantos años menos que él, también luce de forma fantástica. “Detrás de un gran hombre, hay una gran mujer”, dicen. Detrás de Norman, aparece esta vitalista mujer. Fuerte, cariñosa, siempre entretenida haciendo cosas, es el mayor soporte de la familia, sobre todo ahora que su marido está tan mayor.

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La Hepburn nos transmite la energía que siempre irradió en pantalla, pero además, la bondad que los años y los achaques físicos, trajeron consigo a la veterana actriz. Su Ethel vive de una forma radicalmente distinta a Norman, el inevitable paso del tiempo, la vejez.

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Hacía ya tiempo, y es un punto de vista muy subjetivo del que esto escribe, que esta laureada actriz se había desprendido de ese aire de autosuficiencia de sus años de juventud, y mostraba con exquisito resultado en pantalla, las debilidades, los elementos de vulnerabilidad, que unidos a esa fuerza arrolladora que siempre la acompañaba, conformaban unos registros muy humanos y próximos al corazón del espectador (Adivina quien viene esta noche o aquí, En el estanque dorado).

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Algunos de los momentos más preciosos de la historia lo protagonizan esta pareja. Lo más curioso es que hasta el ocaso de sus vidas, no tuvieron la oportunidad de trabajar juntos. Es más, ni siquiera se conocían con cierta profundidad. Ella le regaló a él, el primer día, el sombrero que fue de su gran amor, Spencer Tracy, y él lo llevó puesto durante todo el rodaje.

Eso selló una de las más hermosas relaciones de pareja, jamás vistas en pantalla,  en unos años que pueden parecer los más amargos, dada la cercanía de la muerte, pero también que pueden resultar igualmente, los más sentidos de nuestra existencia.

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Jane Fonda, como la hija de ellos, Chelsea, esta maravillosa. No se equivocó al comprar los derechos de la obra. Antes que nada, luce una figura magnífica, fruto de los genes heredados, pero también de la actividad física que la haría tan famosa en los ochenta.

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Aparece guapísima, pero eso no puede ensombrecer lo realmente importante: su portentosa interpretación. Su personaje, Chelsea, como el de su padre, también es vulnerable, aunque la apariencia exterior nos haga pensar lo contrario.

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La extraordinaria química que desprenden padre e hija, en la vida real y en la ficción, se entremezclan de forma tan mágica, que continuamente, estamos viendo “un relato real” y no una mera ficción. El choque de caracteres eleva al film a cotas altísimas, y los elementos de unión, nos emocionan como pocas veces en pantalla se ha logrado.

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Dabney Coleman es Bill Ray, el nuevo amor de Chelsea. Aunque no ha sido muy afortunado sentimentalmente hablando en el pasado, ahora vive un gran momento, junto a la guapa hija de los protagonistas. Especialmente interesante, por emotiva, es la charla que mantiene con Henry Fonda (Norman Thayer). Es un ejemplo de como una situación normal, incluso cómica, se puede tornar dramática, en escasos segundos, provocando esa transición de emociones tan mágica en el espectador.

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Doug McKeon es Billy, el jovencito rubio, hijo de una pareja divorciada, y algo rebelde, que de pronto, tiene que convivir con un par de “cacatúas” durante todo un mes aquel verano.

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Es realmente bonita la química que se establece entre el joven y el anciano. Lo de “el roce hace el cariño” es cierto. Sus salidas a pescar, sus juegos de mesa y sus primeras lecturas harán de aquel verano, de aquel lago y de las gentes que allí conoció, lo más inolvidable de su vida.

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William Lanteau es Charlie, el cartero en barca de la zona, y amigo de siempre de Chelsea.

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Es preciso hacer un comentario al fantástico guión de Ernest Thompson. Sabe plasmar con exquisito gusto, toda la belleza y calidez de la obra de teatro, en la gran pantalla. La naturalidad del paisaje se entremezcla sabiamente con la naturalidad de los aconteceres de los personajes. La especial y única química que logra en las relaciones de la pareja, y en las de padre con hija, y “abuelo” con “nieto” es ciertamente, de alabar. Mereció sobradamente el Oscar recibido.

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En el aspecto técnico, destacan dos elementos:

– la hermosa fotografía del británico Billy Williams, que alcanzara la gloria al año siguiente, con Gandhi. Sabe retratar con naturalidad y gran belleza todos los parajes de aquel estanque, y cada una de las estaciones (primavera, verano y principios del otoño) que se atraviesa, haciendo de ese lugar un personaje en sí mismo.

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Los humanos viven, sufren, sienten, ríen y lloran allí, de forma natural, como esos colimbos que habitan la zona.

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– la oportuna música de Dave Grusin. En cada momento, imprime la emoción adecuada. Enérgica o sensible, práctica o trascendente, casa perfectamente con el lugar y los que lo habitan.

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No deja de impresionar que una pequeña producción del británico estudio ITC Entertainment, distribuida por Universal, fuera con cerca de 120 millones de dólares, la segunda película más taquillera de todas las estrenadas en 1981 en EEUU, tras En busca del arca perdida.

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El film, además, cosechó multitud de premios aquella temporada:

10 nominaciones en los Premios de la Academia: los citados premios de mejor actor, para Henry Fonda, y mejor guión adaptado, para Ernest Thompson, además del Oscar, ya el cuarto en su carrera, a mejor actriz, para Katharine Hepburn,

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y además, nominaciones infructuosas a mejor película (ganó Carros de fuego), director (Rydell) (ganó Warren Beatty, por Rojos),

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actriz de reparto (Jane Fonda), fotografía, montaje, música y sonido.

6 nominaciones en los Globos de Oro, entre ellos los premios a mejor actor, ya citado, y a mejor película dramática y mejor guión.

Una sencilla historia sobre saber vivir en cada momento de la vida, y de darle importancia a las gentes que nos acompañan en esa travesía,

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y sobre cómo la misma vida nos otorga la oportunidad de recuperar el tiempo perdido,

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cautivó en su momento, en 1981, y sigue haciéndolo, más de treinta años después, el corazón de todo aquel que muestre algún atisbo de sensibilidad (aunque, como nuestro protagonista, haya que rascar un poquito para hallarla).

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Calificación: 9, 75.

Young Adult (Jason Reitman, 2011)

En el 2011, Jason Reitman, tras su multipremiada obra maestra anterior, Up in the air, estrenaba su cuarto largometraje, Young Adult. Pero, a pesar del extraordinario éxito cosechado con el film protagonizado por George Clooney, el director volvía a sus orígenes, en cuanto a película de presupuesto más modesto, y además, volvía a servirse de la inspiración de Diablo Cody, tal como hiciera en la fresquísima Juno, en el 2007.

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El guión de Diablo Cody ya estaba escrito (y contaba con la aprobación de Reitman), pero en principio, este no lo iba a dirigir. Solo cuando se retrasó el proyecto que manejaba, Labor day (del 2011 al 2012), es que Jason se ofreció a dirigir esta pequeña, pero fascinante historia.

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Mavis Gary es una chica guapa, relativamente joven (más cerca de los 40 que de los 30), que se dedica a escribir novelas para adolescentes (o jóvenes adultos, según la terminología del mundo editorial), pero cuyo nombre solo aparece en pequeñito en el interior del libro.

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Desde hace un tiempo, vive separada, en un apartamento de un bloque alto de pisos, con vistas a Minneapolis (“mini-apple”, como la llaman en las pequeñas urbes que la rodean) con una perrita, como única compañía estable, y con algún que otro hombre que, de vez en cuando, entra y sale de su habitación.

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Estando trabajando en lo que probablemente sea su última entrega de la colección de libros, recibe un correo peculiar, con la foto de una bebé. Lo más chocante es que lo envía Beth, la esposa de Buddy Slade, el que fuera el gran amor del instituto de nuestra protagonista.

Fueron buenos o mejor dicho, muy buenos aquellos tiempos. Buddy y Mavis hacían una pareja perfecta. Guapos, jóvenes y llenos de futuro, de promesas y esperanzas. Pero han pasado ya veinte años de todo aquello. Ya no queda nada…o si? Por qué le envían un correo a Mavis? ¿por qué la involucran en sus vidas? ¿es realmente feliz Buddy en aquel miserable Mercury, que ella felizmente abandonó hace ya “la tira”?

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Mavis cree que no, pero en su fuero interno, sabe que ella tampoco. Eso tiene remedio, hay que recuperar el tiempo perdido. Hay que volver a ser igual de felices que antes. Y eso solamente tiene una respuesta :Buddy Slade. Habrá que recuperarlo, aunque eso suponga tener que volver a Mercury, y eso que se prometió no volver jamás a aquel lugar.

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Young adult es una historia simple, pero llena de matices. Es por lo que conviene no desvelar nada más de la misma, sino disfrutar de todas las situaciones, algunas comunes, otras realmente, chocantes, pero, con una nota común a todas: una brutal naturalidad, para lo bueno y malo, en todas y cada una de las interpretaciones.

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Charlize Theron se doctora con este film. Su Mavis era una de las chicas más populares y admiradas (pero también odiadas, según quien) en el instituto. Y aún, conserva la seguridad de la que se siente importante, más guapa, más lista y más independiente, seguramente, que todos los que habitan el aburrido Mercury.

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Cuando regresa, descubre una ciudad y una gente que ya no es la misma. Los pubs han cedido protagonismo en favor de las franquicias de comida rápida,

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y la gente…parece que son todos felices. ¿qué les pasa?

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La Theron huye de todo artificio, y se nos muestra totalmente natural. Tiene una mala leche enorme, pero lo disimula fácilmente, bajo el bonito envoltorio de una chica guapa y risueña.

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Ha venido con la única misión de poner las cosas en su sitio y de retomar aquello tan bonito que quedó pendiente. Pero el tiempo ha colocado las fichas a su libre albedrío, y esta será la lección más dura que le toque aprender a Mavis.

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Patton Oswalt es Matt Freehauf, un antiguo compañero de instituto, gordo y corriente, que Mavis casi ni recuerda. Aparece fantástico como “Pepito Grillo” de Mavis.

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Pese a todo lo que les separa (físico, estilos de vida…) son muchas y más importantes cosas (en ese momento)  las que les une. Son realmente estupendas todas las escenas que comparten, bien en presencia de Buddy, bien a solas, en esos momentos de escape emocional, que tan necesarios les resulta a ambos.

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Es brutal la química que se produce entre estos dos actores. Parece que, desde la lectura del guión, hubo tal conexión, inteligente, divertida, mordaz, que facilitó enormemente el resultado final en pantalla. Forman una de las parejas imposibles más bellas, vistas jamás en el cine.

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Patrick Wilson es Buddy Slade, el antiguo gran amor de Mavis. Aparece felizmente casado con una hermosa niña, recién nacida. Pese a todas sus artimañas, sabemos las intenciones de Mavis, pero, y esto es lo interesante, de Slade, nunca estamos totalmente seguros. Le encanta ver a Mavis y recordar los viejos tiempos, pero llegará a sentir lo mismo que ella? Otro motivo para ver la película.

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Elizabeth Reaser interpreta a la esposa de Buddy, una simpática morena, llamada Beth. A diferencia de Mavis, el encanto que desprende viene, sobre todo,de su interesante personalidad. Es abierta, sencilla, quiere mucho a su marido y su pequeña, y además, tiene vida propia, con sus amigas (con las que tiene una banda que toca alguna que otra vez) y con un trabajo especial (niños con problemas) que le apasiona. Encarna magníficamente a esa chica que, aunque quisiésemos odiarla, no es posible.

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Collette Wolfe es Sandra, la hermana de Matt. Ambos viven en la casa familiar. Aparece muy pocas veces, pero su presencia es decisiva, sobre todo en la escena final con Mavis. Recrea magníficamente a quien se siente preso en un lugar que no le corresponde. Su odio por Mercury y sus gentes, solo tiene igual medida en su admiración por Mavis y todo lo que ella representa.

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Con menos minutos en pantalla, pero igualmente eficaces, aparecen:

Jill Eikenberry, como Hedda, la indulgente madre de Mavis. La quiere tanto, y echa tanto de menos, que aún conserva todas sus cosas en su cuarto, casi como ella lo dejó. Y aún tiene colgado en la pared del pasillo el cuadro de su boda.

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Richard Bekins, como David, el padre de la protagonista. Está preocupado porque su hija no come bien. Ella le contesta que, quizá también, sea borracha.

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Mary Beth Hurt, como Jan, la “ex-suegra” de Mavis. Está magnífica en la única escena (al final, en la fiesta donde tienen que dar nombre a la bebé) que comparte con Theron, y dice más con la mirada que de palabra.

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Kate Nowlin, y las otras chicas del grupo en el que toca la mujer de Buddy. Mary Ellen (la pelirroja) conocía perfectamente a la Mavis del instituto y no le caía precisamente bien.

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Louisa Krause, en un especial cameo, como la “lenta” recepcionista del motel donde se hospeda la escritora, cuando llega a Mercury. Su escena, cuando pregunta a Mavis, si tiene perro, es verdaderamente hilarante (tanto, que todos la vieron en los tráilers y avances del film). Aparecía ese año en otro registro totalmente distinto en la fantástica Martha Marcy Mae Marlene (acompañando a Elizabeth Olsen).

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Si de algo puede presumir Jason Reitman (y que lo asemeja a otro de los grandes de la actualidad en el arte de las comedias dramáticas, Alexander Payne) es, no solo de la acertadísima elección del casting (muchos de ellos, actores de segunda y tercera fila, o directamente, desconocidos), sino también de los colaboradores en el aspecto técnico.

Rolfe Kent y su fantástica banda sonora. Al igual que en Entre copas o Up in the air, aquí crea una melodía central, espontánea, fresca, que da ritmo a la acción. No pretende robarle ni un ápice de protagonismo a los personajes, sino todo lo contrario, le añade naturalidad y dinamismo a todo lo que transcurre en pantalla, lo que redunda en el interés del espectador por ver qué va a pasar.

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Elemento clave, en el apartado musical, es la canción del grupo de rock alternativo escocés, Teenage Fanclub. Esta formación vivió su momento de irrupción en el mundillo del rock a principios de los 90. En círculos especializados, se les llegó a proclamar como “la mejor banda de rock del mundo”, coincidiendo con el éxito de su disco Bandwagonesque, que incluía el tema, presente de manera obsesiva en la película, The Concept. Como otras muchas formaciones, se vieron eclipsadas por Kurt Cobain y su banda, Nirvana, y todo el fenómenos grunge de Seattle, en ese principio de década.

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Es el reflejo de un éxito, en un momento concreto,  de una banda que ha quedado fijado en la mente y en la actitud de una generación específica, pues no trascendió más allá. Buddy regaló una cinta con el tema a Mavis, convirtiéndose en la banda sonora de su relación.  Esta desempolva viejos recuerdos, escuchando una y otra vez la banda sonora de los tiempos del instituto, de regreso a Mercury. Los créditos iniciales, con esa vieja casette, y el mini por la carretera, son magníficos.

Ocurre que los que allí encuentra, también son de esa generación, y del mismo modo, vivieron The concept, como un momento único.

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La fotografía de Eric Steelberg, habitual colaborador de Reitman en sus últimos films, imprime, como en los anteriores, esas notas de naturalidad, pero también de originalidad a la historia. A la misma, ayudó (y lo dice el director en el audiocomentario del BD) la utilización de cámaras digitales.

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El montaje de Dana E. Glauberman, otro a los que recurre siempre Jason para sus películas. Aquí tiene el mérito añadido de que en solo hora y media, logra captar toda la esencia del complejo personaje que representa Charlize Theron, introduciendo un ritmo excelente a toda la historia.

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El vestuario de David Robinson (habitual últimamente en films muy interesantes, como Phillip Morris,¡te quiero!, Shame o Las ventajas de ser un marginado). Contribuye también a esa naturalidad, aunque este concepto en Mavis tenga una connotación especial. Mavis tiene mejor gusto vistiendo que los demás, y sobre todo, se ha preparado para una misión . Una de sus armas letales será la vestimenta, adecuada, según ella, para cada momento.

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También peluquería y maquillaje (mencionemos a Mandy Lyons y a Nuria Sitja, como responsables en sus respectivos departamentos) contribuyen a la imagen que los demás tienen de Mavis.

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En resumen, una muy atractiva historia, cuya importancia radica en los detalles que aparecen bajo la anodina superficie. Un guión de Diablo Cody que logra hacer naturales situaciones inusuales, que transmite muchísimo (no solo con su diálogo mordaz, sino también con los silencios y miradas de los personajes) y que compone unos personajes realmente complejos, buenos y malos a la vez, seguros e inseguros, al mismo tiempo, pero humanos, en una palabra.

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La clave de este film es que engancha al espectador, mediante la enorme complicidad que se establece entre todos los intervinientes.

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El humor negro unió a director y actriz, lo que provocó mucha espontaneidad y momentos de improvisación geniales de ella, y también, la especial conexión que se da entre la Theron y Oswalt, provoca situaciones cómicas y otras emotivas. Por su parte, Cody (guionista) y Charlize/ Mavis (protagonista) no solo comparten profesión, sino valentía en su forma de trabajar.

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Por último, no hace falta decir nada de Cody y Reitman. Tanto en Juno como en Young adult, rompen estereotipos de la comedia y se atreven a crear situaciones, que elevan los kilates de la misma considerablemente.

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Calificación: 9.

 

 

Los idus de Marzo (The ides of March, George Clooney, 2011)

Mencionar en estos días el nombre de George Clooney es señalar al que probablemente sea el personaje más importante (o uno de ellos) de la meca del cine en la actualidad. Desde hace unos años, mezcla con muy sabia receta, grandes interpretaciones (Up in the air o Los descendientes),con una, cada vez más destacada labor en la producción (la misma Argo, ganadora del Premio a mejor film del 2012 en los Oscar recientes) o la dirección de sus propios films.

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Es precisamente, el último, estrenado en 2011, titulado Los idus de Marzo, el que ocupa estas líneas.

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Tras una decepcionante Ella es el partido, su proyecto anterior, Clooney volvía a la arena política, y llevaba a la gran pantalla una adaptación de una obra de 2008, Farragut North, del creador de obras y guionista,  Beau Willimon (en la foto, junto al director y a dos de los actores del film).

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El de St. Louis se inspiró para este trabajo en la campaña de las primarias demócratas del 2004,  y concretamente en la del gobernador de Vermont, Howard Dean. En la obra, se refleja aspectos destacados del politico, como su habilidad para conseguir fondos; su oposición frontal a la segunda Guerra del Golfo (la invasión del 2003), en unos tiempos en que se tachaba de traidor al que lo hacía tan abiertamente – “era George Bush, hijo”- , o uno de los pioneros en hacer uso de internet para fines políticos (contacto con seguidores, reunir dinero y apoyos, etc…).

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Aunque perdió aquella batalla en favor del candidato final, el senador John Kerry (que perdería, a su vez, ante la reelección de Bush, hijo, en la presidencia), Dean introdujo unas líneas muy interesantes de actuación en el partido demócrata en los siguientes años, la “Estrategia de los 50 estados”, que “obliga” a los demócratas a luchar fuerte en todos los estados de la Unión, especialmente en aquellos que durante décadas, han tenido color rojo (conservadores) en el mapa. En la práctica, parece haber dado resultado, y Barack Obama es un buen ejemplo de ello.

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El propio Willimon ayudó a confeccionar el guión, junto a Clooney y a su compañero habitual de fatigas (aunque más bien, de éxitos, últimamente), Grant Heslov (el tipo que salió a recibir el Oscar por Argo, junto a Affleck y a Clooney).

Stephen Meyers es nuestro hombre. Trabaja en la campaña del gobernador de Pennsylvania, Mike Morris, que se postula para las primarias del partido demócrata, en lucha encarnizada con el senador de Arkansas, Ted Pullman.

Stephen es muy listo, pero además cree en el hombre para el que trabaja.

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Es joven y esto contrasta con la veteranía de su jefe, el manager de la campaña, Paul Zara. Los años de trabajo en muy distintas campañas políticas le dan la experiencia necesaria para liderar el barco de Morris, cuyo puerto más próximo es el estado de Ohio.

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En el otro barco (el de Pullman), el capitán de la campaña es Tom Duffy, otro tipo curtido en mil batallas, que trabajó con Paul en el pasado y lo conoce muy bien. De Stephen no sabe tanto, aunque si lo suficiente para admirarlo y temerlo.

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Junto a ellos, a veces, viaja una periodista especializada en temas políticos, del New York Times. Ida Horowicz también lleva años en la carretera, y sabe cómo aprovechar esa relación tan especial, establecida desde hace años, entre prensa y políticos: de la simbiosis al parasitismo y viceversa.

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El juego político no solo se dirime en Ohio. Con vistas a las próximas Elecciones a la Presidencia de los EEUU, y dada la debilidad de cualquier candidato que se postule en este momento, por el Partido Republicano, ambos demócratas (Morris y Pullman) pugnan por contar con los delegados que apoyan al senador de Carolina del Norte, Franklin Thompson. Este se siente importante y se “hace valer”.

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También Stephen tiene su propio juego. Concretamente, ha conocido a una chica de la campaña, una becaria, Molly Stearns, de quien sabe poco, aparte de que es rubia, joven, guapa y algo descarada.

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Cuando la acción política despliega sus tentáculos, el corazón de todas las figuras del ajedrez se acelera sobremanera. Los intereses particulares se entremezclarán con los del colectivo, la lealtad se confrontará con el “todo vale”…pero al final, lo que importa es que el barco llegue (el primero) a la meta, y no los que hayan quedado por el camino.

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En el aspecto interpretativo, la nota general es de sobresaliente.

Ryan Gosling realiza el mejor trabajo hasta la fecha de su muy interesante trayectoria. Despliega todo los matices (como Stephen) que lo hacen atractivo: encanto personal, descaro, valentía u osadía, inteligencia y capacidad de reacción ante los graves contratiempos que le sobrevienen.

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Su sola presencia, con un gesto determinado, ya dice más que muchas lineas en otros personajes. Mediatiza el comportamiento de los demás personajes y sube muchos enteros la nota final otorgada por el espectador. No existe razones para su ausencia en los Premios de la Academia.

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George Clooney es el aspirante a candidato a la Presidencia de los EEUU por el partido demócrata, Mike Morris. Lo ha hecho muy bien en el pasado, en su estado de Pennsylvania. Tildado de izquierdista por los conservadores, sin embargo, sus ideas progresistas y su rechazo a la política seguida en Irak (y en la guerra, en general) tiene cada vez, más adeptos entre los jóvenes votantes. Además, sabe dónde está el futuro de la comunicación (internet), aunque no sepa realmente utilizarlo en primera persona.

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Como veterano en este mundillo, ha tenido que transigir con muchas ideas y personas, pero una cosa debe quedar claro (y se lo dice a su esposa Cindy -la actriz Jennifer Ehle-):jamás pactará con Thompson, es el mismo “diablo”.

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Evan Rachel Wood es la becaria Molly. A pesar de ser hija de senador, su juventud acarrea inexperiencia e ingenuidad. Aún la mueve más el corazón que la cabeza, y eso, en política a veces tiene consecuencias impredecibles.

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Philip Seymour Hoffman, como en casi toda su carrera,despliega altas dosis de solvencia, incluso en papeles menores. Su Paul es fruto de muchos años de trabajo y de haber visto de todo. A pesar de ello, mantiene una energía increíble. No le importa enseñar a la gente lo que sabe, pero exige a todos lealtad.

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Paul Giamatti es otro “toro” de la interpretación. En papeles, incluso inferiores al de Hoffman en presencia en pantalla, aporta toda la convicción que su rostro curioso y sereno es capaz de transmitir. En este caso, el físico de hombre corriente y discurso adulador viene como anillo al dedo. En el mar de pirañas que es la política, Tom Duffy, su personaje, se mueve tan libremente como un tiburón.

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Marisa Tomei es la réplica femenina a ambos. Su Ida sigue la política con pasión, porque es muy profesional en su trabajo, pero aparece totalmente descreída de los intervinientes en ella. Ha investigado mucho y le han contado demasiadas cosas,  para tener tan claro que “tarde o temprano, todos (los políticos) te defraudan. Así es la política”.

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El resto del elenco, con mucha menor enjundia raya a gran nivel en sus escasos momentos:

Jeffrey Wright, como el senador “codiciado” Thompson, no por quién es, sino por cuántos le apoyan. Sabe muy bien como funciona el juego, y espera complacido “el movimiento de las piezas”.

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Gregory Itzin es Jack, el padre de Molly. Ocupando un alto cargo en el partido demócrata (jefe del Comité Nacional) conoce muy bien los peligros del mundillo en que se ha iniciado su hija. Aporta el humanismo justificado en una situación extrema.

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Max Minguella es Ben, uno de los miembros de la campaña de Morris. Está aún verde en política, pero asiste en primera persona a un curso acelerado de lo que es política…y lo que no lo es.

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Cualquiera de las actuaciones tan destacadas (y lo son todas) no serían ni la cuarta parte de meritorias, sin la presencia de un sobresaliente guión. Perfecto en todos sus matices. Diálogos frescos, chispeantes, afilados, ingenuos, maliciosos, en los que no sobra ni falta nada.

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Logra que de un tema tan “árido” en principio, como es el de la arena política, nos interese y llegue a atraparnos. Al fin y al cabo, los que intervienen en él son personas, con sus virtudes y defectos, con sus miedos y sus inquietudes, etc…

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Recibió una infructuosa nominación a los Premios de la Academia (en el apartado de mejor guión adaptado).

En el apartado técnico destacan dos elementos, por encima de los demás:

– La extraordinaria música de Alexandre Desplat. Ayuda enormemente a ensalzar y a descifrar la tensión in-crecendo que provoca los sucesivos aconteceres de la trama. Los momentos más vitales del film vienen acompañados de las notas de Desplat. Su virtud no se circunscribe a la belleza: también emocionan considerablemente.

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– El montaje de Stephen Mirrione (habitual colaborador de Soderbergh, Iñarritu o del propio Clooney). Logra una máquina perfecta de menos de dos horas de duración. Era fácil perderse por las ramas, por los vericuetos de la farragosa política, y sin embargo, como en el guión, no sobra ni falta nada. Todo es grano, y nada paja, teniendo como culminación un momento único.

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– La fotografía del genial Phedon Papamichael. El griego demuestra una vez más su maestría, si no tenía bastante con los enormes trabajos anteriores (Los descendientes, Entre copas, Walk the line…). Aporta una fotografía natural, al servicio de la historia, sin restarle protagonismo, pero aportando las tan deseables “gotas” de autor.

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– El diseño de producción de Sharon Seymour, la responsable en su apartado de gran parte de lo mejor de los últimos tiempos (Adiós, pequeña, adiós, The town, Argo…). Especialmente interesantes, por sugerentes, son las escenas de “confidencias”. Esos apartados en los que se dicen cosas que no conviene que los demás conozcan (aún), y que sirven como necesarias vías de escape o de descongestión a lo asfixiante de la trama.

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En resumidas cuentas, un film nada pretencioso, sobre un mundo que provoca y alienta las mayores ambiciones humanas. Clooney dirige con mano sabia y además, pese a aparecer con maestría en pantalla, cede todo protagonismo al resto del elenco.

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Un elenco, rico en personajes con matices, porque nadie es bueno ni malo en su rotundidad, son las circunstancias las que determinan tal calificativo en cada momento.

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Situaciones normales que en la vorágine de la campaña, adquieren la velocidad de las armas mortales. Muchas veces, no matan, pero llegan a provocar heridas difícilmente curables.

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Calificación. 9,50.

 

 

 

 

Kramer contra Kramer (Kramer vs Kramer, Robert Benton, 1979)

El 24 de diciembre de 1979, llegaba a los quioscos la publicación semanal New York Magazine, que contenía un artículo dedicado a Robert Benton, el director de Kramer vs Kramer,  uno de los filmes que más expectación había suscitado esas semanas.

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En ese artículo, que vio la luz unos pocos días después del estreno del film en los EEUU,  un ejecutivo de la industria del cine hollywoodiense se refería al director texano de 47 años  de edad: “Hasta hace tres días, a Robert no se le había prestado demasiada atención”.

Resultaba frustrante que alguien que había demostrado suficiente talento para hacer cine (había escrito, junto a su amigo David Newman, el guión de Bonnie & Clyde;  de la comedia de Bogdanovich, Qué me pasa, Doctor? ; del western tan peculiar de Mankiewicz, El día de los tramposos, o incluso, el de Superman) durante una década, sólo hubiese podido dirigir (antes de este drama familiar) dos películas, con un exasperante intervalo de cinco años entre una y otra.

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Sería con el tercer intento,  con el que consiguió que todos, ahora ya sí, conocieran muy bien su nombre. Para ello, él mismo (esta vez, sin Newman) adaptó una novela del neoyorquino Avery Corman, publicada un año antes, en 1977, titulada Kramer vs Kramer. El libro recogía las difíciles situaciones que se producen cuando una pareja se separa, y tenía, como punto culminante, la disputa de la custodia del hijo de ambos, en los tribunales.

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El protagonista de la historia es Ted Kramer, un ejecutivo (director artístico o creativo) de una empresa de publicidad. Lleva séis años casado con Joanna, una guapa, pero triste mujer, y tienen un hijo, el pequeño Billy, de esa misma edad.

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Pero a decir verdad, a ninguno dedica tanto tiempo como a su trabajo. Es tal el esfuerzo que pone (horas y horas de trabajo) y la calidad de su labor, que los jefes le han asignado un proyecto de gran magnitud de un cliente muy importante.

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La misma noche que regresa  con la “buena nueva”, dispuesto a ser felicitado, en cambio,  su mujer le está  esperando en el sofá, con las maletas hechas, dispuesta a marcharse de casa. Él, incrédulo y aturdido, contempla como Joanna le deja el recibo de la lavandería, las tarjetas de crédito y la libreta del banco (de la que ha sacado el dinero que ella metió cuando se casaron), las llaves…y un niño de séis años que duerme plácidamente en su cuarto, ausente de todo lo que está ocurriendo fuera de esas cuatro paredes.

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No puede pasar ni un minuto más allí, porque se está muriendo por dentro. Dice que es una mala madre y que Billy estará mejor con él…y además, ya no quiere a Ted.

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Lo que debía haber sido una rabieta de unas cuantas horas o, a lo sumo, unos cuantos días, se vuelven semanas y hasta meses. Ted da por hecho que Joanna no va a volver.

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Y la que parecía la “enemiga mayor” del vecindario, Margaret, una vecina de un apartamento próximo al de los Kramer, (“seguro que Joanna y tú habéis estado hablando sobre todo eso del feminismo, el divorcio y esas tonterías”),  terminará siendo el mayor de los consuelos para el padre de Billy. Entre los dos, se irán lamiendo las heridas de sus respectivos fracasos sentimentales.

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Ted, a base de grandes esfuerzos y de altas dosis de paciencia y entendimiento (de tiempo, en definitiva), irá fortaleciendo aquel vínculo padre-hijo, que durante años, desatendió.

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Ahora está pluriempleado. Tiene que trabajar fuera de casa, y tiene que hacer de padre…y de madre.

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Lo peor está por llegar. Las cosas se le tuercen en la empresa, debido a sus múltiples preocupaciones, y para colmo, después de quince meses, aparece de nuevo, en sus vidas, Joanna. Y viene dispuesta a arrebatar a Ted lo que éste más quiere, lo único que le queda.

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Como cualquier gran película que se precie de serlo, primero debe funcionar en el casting de los actores. Kramer contra Kramer no fue una excepción.

Dejando a un lado los rumores acerca de si querían a Pacino como Ted Kramer, cuenta el director que su primera elección y la del productor del film, Stanley R. Jaffe, para el papel protagonista, siempre fue Dustin Hoffman. Hasta Europa tuvieron que viajar para convencerle. El actor, que una vez leído el guión, no estaba muy receptivo, les atendió…y se obró “el milagro”.

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Hoffman, por aquel entonces, estaba viviendo en sus propias carnes, la angustia de una separación (la única en su vida, de su primera esposa, Anne, con quien compartía dos hijas -Karina, adoptada, de un matrimonio anterior de Anne, y Jenna, fruto de su matrimonio-), y no veía reflejada su situación, ni sus pensamientos, ni sus sentimientos en lo que había escrito Benton.

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Entre los dos llegaron a una especie de acuerdo: irían charlando y discutiendo, en los días y semanas venideros, el guión y sus matices, los problemas de Dustin en su matrimonio y lo que estaba viviendo ahora mismo, y así, ir puliendo el escrito inicial para que el actor se sintiera en las entrañas de Ted Kramer. Obviamente, las “lineas maestras” (del libro de Corman y del guión de Benton) quedaban salvaguardadas, pero el margen de maniobra era bastante amplio, y Benton permitió a Hoffman operar, introduciendo elementos nuevos, pero fantásticos, como un guionista más. La “colaboración” no solo alcanzó esta fase, sino que cuando rodaban, fue usual que se parara el trabajo durante minutos, para que el actor, totalmente implicado en el proyecto y muy inspirado, introdujese nuevas situaciones que aportaban autenticidad y frescura a la historia.

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También fue un acierto completo la elección de Meryl Streep, en el papel ingrato de Joanna Kramer. Con muchos menos minutos para el lucimiento (solo aparece al principio y al final de la película) debía aparecer desquiciada pero no mala. Abandonaba a Billy, no porque no lo quisiera (de hecho, lo había estado cuidando sola durante casi séis años), sino precisamente, porque lo quería demasiado y sabía que, en su situación emocional, era lo mejor para el niño.

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Su colaboración, sin llegar a los niveles de Dustin, en la historia del film, también es destacada. Ella misma (por encargo de Benton) escribió varias escenas-clave, entre ellas, la declaración en el estrado del juzgado, alegando sus razones para ser ella la que debía quedarse con la custodia del niño.

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En este sentido, fue todo un acierto (muy elogiado desde entonces, cuando se habla de este film) el que mostrara esa necesaria equidad en la bondad y en la maldad de ambos personajes, masculino y femenino, Ted y Joanna, en una historia donde todos, a la postre, resultaban perdedores.

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La tercera gran elección fue la del niño Justin Henry, en el papel de Billy Kramer, el “objeto” de la disputa. Desde el casting fue tal la química que se produjo entre padre e hijo, que fue sencillo decantarse por él. Como decía Meryl: “Dustin se esforzó mucho en lograr que el niño lo quisiera”. Y lo consiguió.

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Los dos llevan el peso del film de manera extraordinaria. Muy pocos niños a lo largo de toda la historia del cine, han sabido plasmar con total y pasmosa naturalidad, sus sentimientos en pantalla.

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Lo que aprendió de niño (reconocía un Justin Henry ya adulto) de su “padre” en la ficción, en unos pocos meses, es lo que la gran mayoría de actores llegan a conocer, solo después de años de preparación y de trabajo.

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La cuarta elección, pero no menos importante, fue la de la vecina Margaret. Escogieron a la bostoniana Jane Alexander, que precisamente, había coincidido con Hoffman anteriormente, en Todos los hombres del presidente, de J. Pakula. Es cierto que su papel fue reducido en la sala de montaje, pero los momentos en que aparece en pantalla, siempre en presencia de Ted, son muy humanos.

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Es la mano que necesitan, padre e hijo, cuando nadie les ayuda. Ha pasado por una separación y también tiene prole. Gracias a ella, aprenderá lo que siente una mujer durante ese trance.

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Del resto de actores, todos muy competentes, hay que resaltar a Howard Duff, por la magnífica interpretación del abogado que lleva el caso de Ted, John Shaunessy. Sus honorarios son bastante elevados, pero en el estrado demuestra con su trabajo, que vale cada uno de esos dólares. El caso de la custodia de un niño pequeño es muy duro cuando el otro litigante es la madre, y tendrá que tirar “con toda la munición”.

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George Coe también luce como Jim O’Connor, el jefe de Ted en la empresa. Verá, primero, con recelo, y después, con enojo, como el Ted padre va “comiendo” dedicación al Ted “empleado ejemplar”.

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La enorme colaboración que Robert Benton permitía a sus actores (en búsqueda obviamente, de mayor espontaneidad en los diálogos, pero también de mayor implicación en el proyecto común) chocó de frente, en el caso de Meryl Streep, con la realidad. Por aquellas fechas, ella intercalaba el rodaje de Kramer vs Kramer con el de Manhattan, de Woody Allen (por cierto, localizadas en las mismas calles del Upper East Side neoyorquino). Cuenta la actriz, que en una escena que filmó Allen, al terminar su actuación la Streep, el director se acercó a ella y le dijo: “Hay una coma entre esta y esta palabra”. La actriz aprendió aquel día que la “colaboración” se daba pocas veces en el cine.

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En el plano técnico, destaca la naturalidad de todos los aspectos (fotografía, música…), al servicio de lo realmente importante: los personajes y su historia.

El catalán Néstor Almendros llevaba años exiliado al otro lado del charco. Primero en Cuba, posteriormente, en París,  y después en América, desarrolló, con gran maestría, una carrera en la dirección de fotografía.

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Llegaba a este proyecto, avalado por el fantástico trabajo, merecedor de un Oscar, en Días del cielo, de Malick. El considerado como “maestro de la luz”, aportaba una vez más, una fotografía natural, que situaba a los personajes en los lugares que habitan y ocupan y en la hora del día y la época del año en que viven. El paso del tiempo (a lo que ayudaba o remarcaba esta fotografía) también contribuía a destacar el cambio producido en las gentes y sus historias.

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Las localizaciones del NY de finales de los 70, son fantásticas, y más, si se ama la ciudad de los rascacielos. Filmada en el Upper East Side (barrio entre Central Park y el East River), sus calles, llenas de coches (no olvidemos que es pleno Manhattan), sus parques (donde juegan los niños y sirven de oxígeno para la ciudad), sobre todo el Central Park, sus edificios (las plantas altas, donde se ve todo Manhattan), …, todo aparece de forma muy bella y natural. Es cierto que no hace falta construir este magnífico set, pero no por ello, hay que dejar de admirar una vez más, uno de los más bonitos escenarios para rodar una película de todo el mundo.

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Si se dice que cualquier época del año es bonita para el visitante, también para rodar (y lo vemos en Kramer vs Kramer) las distintas estaciones ofrecen postales inolvidables (hojas que se caen, nieve, etc…).

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La música es también simple, pero impregnada de ese sentimiento amargo, aunque realista. Desde el clásico Concierto en C mayor para mandolina y cuerdas, de Vivaldi (que acompaña desde los créditos iniciales hasta el final, incluida esos músicos callejeros que la tocan, la noche de “fortuna” de Ted) Vivaldi-Kramer vs Kramer hasta las aportaciones de John Kander (responsable de las canciones de Cabaret, por ejemplo), entre otros.

El montaje de Jerry Greenberg abunda en esa naturalidad de la historia. Solo pone énfasis en los momentos de “sobresalto” de la narración (huida de Joanna, accidente de Billy, aparición de la “nueva” Joanna…)

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Quiero destacar tres apartados, no siempre citados en los films:

– La ya citada labor de casting de Shirley Rich, que ya sabía dónde buscar “lo bueno” en NY: Serpico, Fiebre del sabado noche, etc…

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– El director artístico, creador de los sets, Alan Hicks (que venía de la serie de tv, Kojak). Son fantásticas las habitaciones de la casa de los Kramer, y el salón, constantemente “salpicadas” de juguetes esparcidos, dando constancia de la presencia de un niño en casa.

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Hay un plano donde Ted, aun deseoso de que Joanna vuelva a casa, llama desde el trabajo, y vemos el teléfono, sobre la cama de matrimonio, sonando, sin contestar nadie, con todos los elementos de esa habitación como simples testigos mudos de esa escena.

– El estilismo (peluquería) de Joe Coscia (Tootsie, Esencia de mujer, Adaptation…) y el maquillaje de Alan Weisinger (Tootsie, Uno de los nuestros, El silencio de los corderos…). Si Meryl Streep agradeció, en el discurso de aceptación del Oscar por La dama de hierro, los muchos años de J. Roy Helland, como su maquillador en todas sus películas, desde La decisión de Sophie, en 1982, es de justicia agradecer y alabar el enorme trabajo (aunque fácil al mismo tiempo, dada su belleza) de mostrar más guapa y natural que nunca a una mujer que sufre y llora en pantalla.

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– Kramer contra Kramer fue la gran triunfadora en los Premios de la Academia de 1979. Obtuvo 8 nominaciones, llegando a conseguir 5 estatuillas: mejor película, mejor directo (Benton), mejor guión (Benton), mejor actor principal (Hoffman) y mejor actriz de reparto (Streep). Alexander, a mejor actriz de reparto, y Henry, a mejor actor de reparto (el más joven en cualquier categoría de actuación) también “compitieron”. Almendros obtuvo una merecida nominación a mejor fotografía, igual que el montaje de Greenberg.

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En los Bafta británicos obtuvo muchas, pero infructuosas nominaciones (aquel era el año de El hombre elefante, de Lynch).

Y en los Globos de Oro, recibió los premios a mejor película de drama, mejor director, mejor actor de drama, mejor actriz de reparto y mejor guión.

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Además, tanto la crítica de NY como la de L.A, consideraron a Kramer vs Kramer el mejor film del año, y a Hoffman y Streep, mejor actor principal y mejor actriz de reparto, respectivamente.

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En resumen, y para finalizar, decir que muy pocas veces en el cine, un director sabe crear una magia especial en el set de rodaje, que magnetiza a todos los actores y a todos los técnicos que intervienen en el film, que les “obliga” con gusto a dar lo mejor que tienen y más, incorporando experiencias propias (el divorcio de Hoffman o la muerte de Cazale, pareja de Streep) que enriquecen aún más un fantástico guión.

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Unos actores, en la cumbre de su actuación, que muestran sus sentimientos hasta en el último de los poros de su piel, con un niño (Justin Henry) realmente único en el séptimo arte.

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Y una historia, la de los divorcios,  usual, sí, pero admirablemente abordada, desde los pequeños detalles (y no con vagas generalidades propias de cualquier guionista común), salidos de las experiencias de gentes que habían pasado o estaban atravesando tan difíciles momentos.

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Hasta el propio Robert Benton, en aquella entrevista publicada el día de Nochebuena de 1979 (cuando aún no se podía calibrar la enorme repercusión que iba a tener el film) en NY Magazine reconocía que Kramer vs Kramer tenía mucho de su relación con su hijo: “Es la forma en que desayuno con mi hijo cada mañana. No nos decimos nada, pero es uno de los momentos más felices de mi vida”.

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Muchos espectadores se vieron identificados (en los setenta se dispararon las separaciones, y el rol de la mujer y del hombre, en el hogar, evolucionaba a pasos agigantados) y llenaron las salas.

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La misma dureza y frialdad de los juicios sobre custodia de niños (donde se están dirimiendo sentimientos) cambió la mentalidad de toda una generación de personas, entre ellas, de jueces que tenían que administrar justicia en esos mismos tribunales.

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Calificación: 10