American graffiti (George Lucas, 1973)

En el verano de 1973, se estrenaba en unos pocos cines de EEUU el segundo largo de George Lucas. El propio director señalaba que,durante la producción de su primer trabajo, THX 1138, su amigo Francis F. Coppola le sirvió de inspiración para American Graffiti. “¿Por qué no haces algo que le gusta a la mayoría de personas?”, le señaló.

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Lucas se puso de inmediato a trabajar en un guión, basándose en su juventud en la ciudad que le vio nacer, Modesto, California, y de todo lo que pasó en “aquellos maravillosos años”.

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Para transmitir la vital nostalgia (el motor de todas las historias que componen el film) situó la narración en 1962. Lo hizo por varios motivos: eran los últimos momentos en que el rock & roll americano dominaba las listas de éxito del país, antes de la invasión pop-rock británica, y rivalizando ya con el movimiento surf en el corazón de las jovencitas.

Además, aún los jóvenes se divertían en la calle, muchos de ellos paseando en sus tuneados coches (elemento que facilitaba el “ligoteo”), en la época en que nada, al menos de gravedad, podía ocurrirles cuando salían de noche.

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Era también los momentos previos al asesinato del presidente John F. Kennedy y a la entrada, de lleno, en el largo y difícil conficto de Vietnam, en definitiva, antes de que EEUU cayera en el desengaño.

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Para sacarle del inevitable estancamiento en la escritura del guión, se acordó de su amigo en la Universidad (Escuela de Cine del Sur de California), Willard Huyck y de su pareja (sentimental y laboral), Gloria Katz, que como Lucas, añadieron algunos recuerdos de su juventud al guión del film. Su colaboración continuó en la saga Star Wars y en Indiana Jones, entre otros proyectos.

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Los protagonistas de la historia son un grupo de jóvenes de un pueblo, en una noche de agosto de 1962. Dos de ellos, Curt (Richard Dreyfuss) y Steve (Ron Howard) se van al día siguiente al Este a estudiar en un college (universidad), y será la última vez que estén con sus amigos (al menos, durante tres meses). Sin embargo, al primero (Curt) le asaltan toda clase de dudas sobre su marcha del pueblo.

Un baile final en el Instituto, una riña de novios, un coche robado, una pelea, unas gamberradas con una banda, una carrera de coches arriesgada o la búsqueda incesante de una hermosa rubia en un coche blanco ocuparán las agitadas agendas de nuestros protagonistas, y todo al ritmo de los hits de rock and roll pinchados por el genial D.J. Hombre Lobo (Wolfman Jack).

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El film, en cierto modo, caricaturesco, debía tener unos protagonistas-arquetipos de la época: el ídolo de los jóvenes, el inteligente, la parejita de novios popular, el feo, la jovencita espabilada, la banda de macarras, el poli pesado, el chulo desafiante, la tía buena, etc…

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Lo cierto es que,de todo el elenco actoral, sólo dos cumplían la condición de jovencito (entre 16 y 21 años). Una chica de 12 años, Mackenzie Phillips, como la “pequeña” Carol o Harrison Ford, como el chuleta Bob Falfa, ya en su treintena, ocupaban los extremos. Lo normal era que los actores elegidos, casi todos,  tuvieran ya la veintena bien cumplida.

Repasémoslos:

Richard Dreyfuss, que había hecho algún cameo en los anteriores años ( véase El graduado), por fin interpretaba uno con el que podía lucirse. Curt es un tipo inteligente, reflexivo, amigo de sus amigos, que duda de ir a la Universidad, aunque todos tengan sus esperanzas puestas en él.

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Ron Howard, que años después, y con mucho menos pelo, alcanzaría la gloria como director, era Steve, el muchacho “mono” con novieta formal que, con ambiciones, desea irse del pueblo.

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John Millner, interpretado fantásticamente por Paul Le Mat, es el muchacho, algo mayor que los demás, que ha vivido plenamente la era del rock y que,contempla con estupor, el paso del tiempo. Tendrá una agitada noche, en compañía de la inquieta Carol (Mackenzie Phillips). La química que se creó entre ellos da momentos verdaderamente inolvidables, por espontáneos, sencillos, alegres algunos y emotivos, otros. De lo mejor del film, sin duda.

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Charles Martin Smith, a quien recordamos de Los intocables de Eliot Ness, años después, es Terry, conocido por el apodo de The Toad (El sapo), aunque, en el doblaje, nos aparezca como El tigre. Es el menos agraciado del grupo, con gafas y dientes prominentes, pero tal vez, por ello, el pegamento de todas las relaciones, el que cae bien a todos en la pandilla. Su noche será movidita. Su interpretación, fabulosa, en lo gracioso y en lo emotivo.

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Cindy Williams, que poco después, triunfaría en la serie de tv. Laverne & Shirley (haciendo de esta última) es Laurie, una chica dulce,  novia de Steve y hermana de Curt. Aporta, principalmente, la parte emocional, reflejando a la perfección lo bueno y lo malo de estar emparejado en aquella época. La escena del baile es marcadamente emotiva, sencilla pero efectiva.

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Candy Clark es una rubia que pasa por la calle. Tía buena (se parece a Connie Francis), aunque de buen corazón, iniciará una bonita relación con “El Sapo”. El momento beso final es también sencillo, pero espontáneo y bonito.

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Otros actores que conforman el amplio elenco son: Harrison Ford (que por entonces, trabajaba con gran éxito en el mundo de la carpintería- de esta forma, se dio a conocer a varios cineastas-) como el desafiante Bob, con un cochazo que arma mucho ruido.

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O el famoso D.J. Wolfman Jack, que se interpretó en pantalla, de forma breve, aunque más ampliamente, a través de las radios de los coches de los jóvenes, a sí mismo. Vivimos otro momento especial en la visita que le hace Curt.

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En el aspecto técnico, sobre todo, destaca la optimización de recursos, escasos, dado el muy limitado presupuesto con que contaba Lucas para sacar adelante el proyecto (775.000 dólares).

El corto presupuesto incidió en todos los frentes:

– Apenas un mes duró la filmación de American graffiti (julio y algo de agosto de 1972). Lo hicieron en varias localizaciones del norte de California (dado que según Lucas, Modesto, la ciudad en que se ubica la narración, había cambiado en los últimos diez años).

– Siempre rodaban de noche, desde las 9 pm en que se ocultaba el sol, hasta las 5 am. El frío, propio del agosto en el norte del Estado, hicieron difícil el rodaje, lo mismo que tanta escena de coches en circulación. Varios cámaras tuvieron que acudir a hospitales por accidentes, mientras filmaban.

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– La decisión de George Lucas de darle al film un tono marcadamente documental, más realista.

Pensó en filmar las escenas de diálogos entre personajes en coches distintos (abundantes en el film), mediante el usual Cinemascope, resultando muy caro el proceso.

Por ello, se empleó la tecnología fotográfica, denominada, Techniscope, empleada normalmente en Europa (Italia y sus western…), por entonces,  para presupuestos bajos (como curiosidad, señalar que David O. Russell la ha empleado en sus dos últimos trabajos: The Fighter y El lado bueno de las cosas). A groso modo, se diferencia del sistema anamófico (Cinemascope) – el más empleado en la industria,  desde que lo creara la Fox en los 50- en que utiliza dos perforaciones en el negativo en lugar de cuatro, con lo que resulta la mitad de material con el que trabajar, y lógicamente, más económico.

También, y apoyando esa decidida línea de realismo y espontaneidad, dio bastante libertad a los actores para que improvisaran el texto, de ahí que se colaran, apareciendo en el montaje final, varios gazapos. Su inclusión obedecía a la frescura que Lucas buscaba.

– el sonido, por cierto, trabajado de manera soberbia, por Walter Murch en la post-producción. Ese incesante y muy estimulante ruido de motor que acompañan a casi todas las escenas, aporta aún más realismo a las historias. Eso, unido a los numerosos planos filmados en coches, nos hacen vivir el asfalto, no solo con nuestros ojos, sino con todo nuestro cuerpo.

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– la genial utilización de canciones exitosas de la era rock como lei motiv de cada escena. Fue una de las primeras ocasiones en que se utilizó canciones en vez del score, que era lo común durante décadas. Es más, la ausencia de esta banda sonora se debía al escaso presupuesto, que obligó a destinar casi todo el dinero a pagar derechos de autor de las canciones (algunas, como la de Elvis Presley, tuvieron que ser versionadas, al no llegarse a un acuerdo con el sello-RCA, en este caso-).

– otro elemento, en la misma linea, que aportó frescura y realismo a las escenas, es el silencio (más barato no hay nada) o bien, la utilización de efectos sonoros en la sala de montaje (Walter Murch), como gritos, risas, o incluso llegada de un tren a una estación (véase escena de Curt y el coche de la policía), en los distintos momentos del film.

– aunque la fotografía fue encargada a Jan D´Alquen y Ron Eveslage, la dificultad de filmar de noche con el Techniscope, hizo que Lucas echara mano de Haskell Wexler (que venía de ganar un Oscar por la fotografía de Quién teme a Virginia Woolf?), uno de los mejores, según su propio gremio. El trabajo de este fue encomiable y para nada, perdemos detalle en ninguna escena, aunque todo esté rodado en ausencia de luz solar.

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– el montaje corrió a cargo de la esposa de George, Marcia Lucas y de Verna Fields, amiga del director y quién presentó a la pareja. Durante las primeras semanas de montaje, se llegaron a obtener casi tres horas de película. Posteriormente, y durante meses, se trabajó para bajar la duración a algo menos de dos horas. El resultado fue tan estupendo que, algún crítico, señaló: “más que cualquier escena individual, la película cobra sentido en el conjunto de todas juntas”. Mérito, sin duda de las montadoras.

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El film, en contra de lo previsto inicialmente (dificultades en ser comprado por algún estudio, hasta que finalmente lo hizo Universal, escaso presupuesto…), terminó siendo un enorme éxito para todos (o casi todos) los que intervinieron en él:

Lucas pasó del anonimato a ser millonario, dado que American graffiti, lanzado en estreno limitado terminó ocupando cientos de salas y miles de corazones por toda América. Incluso en su ciudad, Modesto, le llegó el reconocimiento, en forma de estatua-homenaje al film en la plaza que lleva su nombre.

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Haskell Wexler (a quién Lucas agradecía enormemente su extraordinaria contribución en el retrato de esa época) o el mismo Wolfman Jack (al que Lucas admiraba cuando era joven, y que sirvió de inspiración y nexo de unión de todas las historias) recibieron cumplida recompensa por su labor.

Dreyfuss y Howard fueron lanzados a la fama, que continuaría bien en tv o bien en el cine (por ejemplo, el primero protagonizaría Tiburón o La chica del adiós, posteriormente).

En cuanto a galardones, American graffiti acaparó varias importantes y merecidas nominaciones en los Premios de la Academia de 1973 (película, director, actriz secundaria- Candy Clark- guión original y montaje), aunque aquel año, todos los parabienes recayeron en El golpe. En los Globos de Oro tuvo mejor fortuna: premio a mejor comedia y a mejor nueva estrella del año, para Paul Le Mat.

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En los Bafta también tuvo reconocimiento en forma de nominaciones, entre otras, a la dirección de Lucas.

La década de los 70 vivió un momento revival de los 50, su música, su ropa y sus coches y American graffiti fue un exponente perfecto de este hecho, e incluso, sirvió de inspiración para posteriores series de tv (Happy days, protagonizada por Ron Howard) y films.

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Podemos concluir diciendo que American graffiti fue un perfecto ejercicio de nostalgia, de volver la mirada atrás, aunque fuera solamente una década, en unos momentos convulsos (principios de los 70) en que se echaba de menos muchas cosas perdidas por el camino, sobre todo, la inocencia.

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Calificación: 9,25

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