Billboard charts : Semana del 6 de abril de 2013

– En el Hot 100:

1. Thrift shop … Macklemore & Ryan Lewis,  featuring Wanz (sube desde el 2)

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Tras permanecer rezagada ante la ola del Harlem shake y su repercusión en Youtube, durante estas últimas semanas, esta canción vuelve al número 1 del Hot 100, ya por quinta semana no consecutiva. A pesar de ello, esta semana cede el trono de todas las sub-listas que encabezaba (batiendo records de permanencia en lo más alto): del 1 al 2, en la Radio songs (ha estado dos semanas dominando), en la Digital songs (tras diez semanas liderando), y en la On-Demand songs (tras once semanas en la cumbre).

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A la vez que recupera el cetro del Hot 100, sigue en el 1 de la Hot R&B/Hip-Hop Songs, ya por 11ª semana.

Thrift shop – Macklemore & Ryan Lewis featuring Wanz

2. Harlem shake … Baauer (baja desde el 1)

Tras dominar la lista más importante de singles norteamericana durante las últimas cinco semanas, cede el puesto de honor, al caer notablemente los streams de Youtube del tema. Esta semana, por quinta vez, cae y lo hace de 28 a 20 millones de streams (en la primera semana que dominó la lista, los streams fueron de 103 millones).

Además, se mantiene en el 6 de la Digital songs, y todavía no ha reunido los suficientes pinchazos para entrar en el top-75 de la Radio songs.

* Con esta subida de nuevo al número 1 de Thrift shop (dominó el Hot 100 durante cuatro semanas), tras cinco semanas en el número 2, bate todos los records de tema con más tiempo de intervalo, antes de volver al 1. Desde 1958, en que se creó el Hot 100, solo dos temas, hubieron de aguardar cuatro semanas para volver al puesto que ocuparon, al número 1: How you remind me, de Nickelback, interrumpió durante cuatro semanas, las seis que finalmente dominó Usher con U got it bad (entre diciembre de 2001 y febrero de 2002), mientras que Bump N’ Grind, de R. Kelly hizo lo propio durante las cuatro semanas del mes de abril de 1994, interrumpiendo las finalmente seis semanas de número 1 de The sign, de Ace of base (entre marzo y mayo de ese año).

3. Suit & Tie … Justin Timberlake, featuring Jay Z (subida desde el 4)

Ayudado obviamente, por el nuevo número 1 (debut) en la lista de álbumes más vendidos (Billboard 200), el tema adelanto del mismo alcanza su posición más alta hasta el momento: el top-3. Se debe sobre todo, a la subida del single en la On-Demand songs, del 6 al 1.

Suit & Tie – Justin Timberlake featuring Jay Z

4. When i was your man … Bruno Mars (bajada desde el 3)

Consigue esta semana subir del 2 al 1 en la Radio songs (los discos más pinchados en las radios terrestres yanquis). Es el quinto tema que el de Honolulu lleva al 1 de los más radiados. Aún está lejos de Usher (el artista masculino que, con 7, más canciones ha llevado a dominar esta lista de Radio songs) y de Mariah Carey, que mantiene el record de cualquier artista, con 11 números 1 en la Radio songs, desde que se comenzó a confeccionar esta lista, en 1990.

5. Stay … Rihanna, featuring Mikky Ekko (repite posición)

Sube esta semana del 11 al 6 en la Radio songs, consiguiendo con éste su top-10 en esa sub-lista, número 22. También Mariah Carey, con uno más, 23 domina los top-10 en la Radio songs.

-Del resto de top-10 en el Hot 100, destaca la fuerte subida del 9 al 6 de Just Give Me a Reason, de Pink, featuring fun.’s Nate Ruess. Se debe a la subida en la Digital songs, del 5 al 1. Es la tercera vez que Pink lidera la lista de descargas legales vendidas (las otras dos anteriores fueron So What, en 2008, y F**kin’ Perfect, en 2011). Ruess, con el grupo fun, lideró esta lista Digital songs el año pasado, con el famoso We are young. Además, el tema de Pink asciende del 31 al 18 en la Radio songs.

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– En el Billboard 200:

1. The 20/20 Experience … Justin Timberlake (debut)

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Casi 1 millón de copias (968.000 unidades exactamente) tienen la culpa del nuevo número 1 en los discos más vendidos en EEUU esta semana.

Es la semana que más se vende un disco de Timberlake, de toda su discografía, y desde que se contabilizan las ventas por el método Soundscan (desde 1991) ocupa el número 19 en las mayores ventas de álbumes en una semana.

Por comparar, el anterior trabajo del artista, FutureSex/LoveSounds, debutó en el 1 del Billboard 200, con 684.000 discos vendidos, y el primero de todos, el Justified, debutó en el 2, con 439.000 discos, en 2002. Como podemos apreciar, la progresión en ventas es muy positivo de álbum en álbum.

En una sola semana, este disco de Justin Timberlake se ha convertido en el más vendido de lo que va de 2013 en EEUU (batiendo los 658.000 discos acumulados por Babel, de Mumford & Sons, en este año).

De largo, Timberlake ha superado las previsiones iniciales de ventas, que se situaban en la mitad justamente (500.000) de lo finalmente vendido. Asombroso.

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Otra comparativa de las extraordinarias ventas de lo nuevo de Justin: en el año 2012, sólo 10 discos pudieron llegar al millón de ventas en TODO el año. El más vendido fue el 21, de Adele, con 4,4 millones. El número 11 fue Overexposed, de Maroon 5, que se quedó a las puertas de ese millón (988.000 unidades).

Desde 1991, sólo dos artistas masculinos han debutado con más discos vendidos: Usher, con Confessions, en 2004 (1,10 millones) y Garth Brooks, con Double Live, en 1998 (1,09 millones).

De ese casi millón de discos vendidos de The 20/20 Experience, 452.000 copias se han vendido en formato de descarga (legal, claro). Solo Born this way, de Lady Gaga, y Red, de Taylor Swift, han conseguido vender más en formato de descarga en una semana.

Con este millón (aproximadamente) de discos vendidos, el total de discos despachados en toda su carrera en solitario, llega a los 9,2 millones (3,8 de Justified, y 4,4 de FutureSex/LoveSounds).

Finalmente, señalar que era tal el “miedo” que los sellos discográficos importantes (los rivales, a fin de cuentas) le tenían a la salida de este disco, que casi ninguno puso en la calle nada destacable, para “no caer en el olvido” del comprador.

2. Same Trailer Different Park …  Kacey Musgraves (debut)

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La joven artista country tejana, tras tres álbumes lanzados sin éxito en las listas norteamericanas, en la década pasada, a sus 24 años, por fin alcanza la repercusión que buscaba tantos años.

Tras aparecer como telonera de los famosos Lady Antebellum, en la gira del 2012 por UK, firmó un nuevo contrato con el sello Mercury Records. Con ellos edita este cuarto trabajo de estudio, que ha sido recibido con muy buenas críticas de los especialistas musicales.

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43.000 unidades vende de este trabajo, que incluye el éxito Merry go round. Se coloca además, en el 1 de la lista de Country Albums.

Merry go round – Kacey Musgraves

3. Unorthodox Jukebox … Bruno Mars (sube desde el 5)

Vende 41.000 discos esta semana.

4. Spring Break . . . Here to Party … Luke Bryan (baja desde el 3)

Recordemos que es un recopilatorio (más algún tema nuevo) de canciones ya publicadas, en distintos EPs, estos años atrás, coincidiendo con el spring break anual (el período alrededor de la Semana Santa, en que los universitarios norteamericanos disponen de una o dos semanas de descanso, que muchos aprovechan para viajar y pasarlo bien en fiestas, antes del tramo duro de exámenes final). Ya alcanzó el artista country el número 1 hace varias semanas. En esta, vende 38.000 copias.

5. The Truth About Love … Pink (sube desde el 11)

El éxito del single Just give me a reason (del que he hablado, y que ocupa actualmente el número 6 del Hot 100) ayuda a vender 36.000 discos del álbum que lo contiene.

* Como curiosidad, señalar la enorme bajada del número 1 la semana pasada. What About Now, lo nuevo de Bon Jovi, desciende desde el 1 al 7, con 29.000 unidades vendidas (en su debut, la semana pasada, vendió 100.000 aproximadamente).

Blowin´in the wind – Stevie Wonder

Si Stevie Wonder es un artista único en el mundo, no se debe solo a su extraordinario talento, sino sobre todo, a la cantidad de difíciles retos que le planteó la vida y que él superó con enorme éxito.

Nacido a principios de los 50, negro, ciego y pobre, y además, criado sin la figura paternal, fue el talento para la música y la firme determinación por lograr ser un artista importante lo que le hizo superar todas las adversidades.

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En 1966, con apenas 16 años de edad recién cumplidos, Stevie (ya liberado del Little, que le acompañaba desde los 12 años, cuando firmó por la Motown) publicaba su quinto álbum ya de estudio, titulado Up-Tight. Este disco se consideró como el despegue definitivo del artista,  ya maduro y formado (con sólo 16 años, lo que habla bien claro de su precocidad).

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Como los retos eran su especialidad, se atrevió a incluir en el disco una versión muy particular del tema de Bob Dylan, Blowin´in the wind (escrito en 1962 y publicado en el segundo álbum de estudio de este, The freewheelin´ Bob Dylan, en 1963).

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Además, lo cantó acompañado en las voces por su mentor y productor musical por entonces, Clarence Paul (el que tuvo la brillante idea de llamarle artísticamente “Wonder”, al catalogarlo de “octava maravilla del mundo”, nada más escucharlo en su primera audición para el sello de Detroit, allá por 1961).

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El single debutó en el Hot 100 en el mes de julio, y llegó a alcanzar un meritorio número 9, la semana del 3 de septiembre de 1966 (cuando Sunshine superman, de Donovan lideraba la lista). Lo más importante es que abrió los oídos a mucha gente (blanca) que no acostumbraba a escuchar música “de negros”.

Mayor éxito tuvo aún en la lista de singles R&B, liderando la lista “negra” de sencillos la semana del 27 de agosto de 1966. En UK, cosechó un discreto puesto 36 en la UK Singles.

Ni que decir tiene que superó, y con creces, el reto. Pero lo mejor de Stevie Wonder estaba aún por llegar.

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Los idus de Marzo (The ides of March, George Clooney, 2011)

Mencionar en estos días el nombre de George Clooney es señalar al que probablemente sea el personaje más importante (o uno de ellos) de la meca del cine en la actualidad. Desde hace unos años, mezcla con muy sabia receta, grandes interpretaciones (Up in the air o Los descendientes),con una, cada vez más destacada labor en la producción (la misma Argo, ganadora del Premio a mejor film del 2012 en los Oscar recientes) o la dirección de sus propios films.

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Es precisamente, el último, estrenado en 2011, titulado Los idus de Marzo, el que ocupa estas líneas.

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Tras una decepcionante Ella es el partido, su proyecto anterior, Clooney volvía a la arena política, y llevaba a la gran pantalla una adaptación de una obra de 2008, Farragut North, del creador de obras y guionista,  Beau Willimon (en la foto, junto al director y a dos de los actores del film).

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El de St. Louis se inspiró para este trabajo en la campaña de las primarias demócratas del 2004,  y concretamente en la del gobernador de Vermont, Howard Dean. En la obra, se refleja aspectos destacados del politico, como su habilidad para conseguir fondos; su oposición frontal a la segunda Guerra del Golfo (la invasión del 2003), en unos tiempos en que se tachaba de traidor al que lo hacía tan abiertamente – “era George Bush, hijo”- , o uno de los pioneros en hacer uso de internet para fines políticos (contacto con seguidores, reunir dinero y apoyos, etc…).

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Aunque perdió aquella batalla en favor del candidato final, el senador John Kerry (que perdería, a su vez, ante la reelección de Bush, hijo, en la presidencia), Dean introdujo unas líneas muy interesantes de actuación en el partido demócrata en los siguientes años, la “Estrategia de los 50 estados”, que “obliga” a los demócratas a luchar fuerte en todos los estados de la Unión, especialmente en aquellos que durante décadas, han tenido color rojo (conservadores) en el mapa. En la práctica, parece haber dado resultado, y Barack Obama es un buen ejemplo de ello.

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El propio Willimon ayudó a confeccionar el guión, junto a Clooney y a su compañero habitual de fatigas (aunque más bien, de éxitos, últimamente), Grant Heslov (el tipo que salió a recibir el Oscar por Argo, junto a Affleck y a Clooney).

Stephen Meyers es nuestro hombre. Trabaja en la campaña del gobernador de Pennsylvania, Mike Morris, que se postula para las primarias del partido demócrata, en lucha encarnizada con el senador de Arkansas, Ted Pullman.

Stephen es muy listo, pero además cree en el hombre para el que trabaja.

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Es joven y esto contrasta con la veteranía de su jefe, el manager de la campaña, Paul Zara. Los años de trabajo en muy distintas campañas políticas le dan la experiencia necesaria para liderar el barco de Morris, cuyo puerto más próximo es el estado de Ohio.

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En el otro barco (el de Pullman), el capitán de la campaña es Tom Duffy, otro tipo curtido en mil batallas, que trabajó con Paul en el pasado y lo conoce muy bien. De Stephen no sabe tanto, aunque si lo suficiente para admirarlo y temerlo.

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Junto a ellos, a veces, viaja una periodista especializada en temas políticos, del New York Times. Ida Horowicz también lleva años en la carretera, y sabe cómo aprovechar esa relación tan especial, establecida desde hace años, entre prensa y políticos: de la simbiosis al parasitismo y viceversa.

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El juego político no solo se dirime en Ohio. Con vistas a las próximas Elecciones a la Presidencia de los EEUU, y dada la debilidad de cualquier candidato que se postule en este momento, por el Partido Republicano, ambos demócratas (Morris y Pullman) pugnan por contar con los delegados que apoyan al senador de Carolina del Norte, Franklin Thompson. Este se siente importante y se “hace valer”.

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También Stephen tiene su propio juego. Concretamente, ha conocido a una chica de la campaña, una becaria, Molly Stearns, de quien sabe poco, aparte de que es rubia, joven, guapa y algo descarada.

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Cuando la acción política despliega sus tentáculos, el corazón de todas las figuras del ajedrez se acelera sobremanera. Los intereses particulares se entremezclarán con los del colectivo, la lealtad se confrontará con el “todo vale”…pero al final, lo que importa es que el barco llegue (el primero) a la meta, y no los que hayan quedado por el camino.

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En el aspecto interpretativo, la nota general es de sobresaliente.

Ryan Gosling realiza el mejor trabajo hasta la fecha de su muy interesante trayectoria. Despliega todo los matices (como Stephen) que lo hacen atractivo: encanto personal, descaro, valentía u osadía, inteligencia y capacidad de reacción ante los graves contratiempos que le sobrevienen.

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Su sola presencia, con un gesto determinado, ya dice más que muchas lineas en otros personajes. Mediatiza el comportamiento de los demás personajes y sube muchos enteros la nota final otorgada por el espectador. No existe razones para su ausencia en los Premios de la Academia.

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George Clooney es el aspirante a candidato a la Presidencia de los EEUU por el partido demócrata, Mike Morris. Lo ha hecho muy bien en el pasado, en su estado de Pennsylvania. Tildado de izquierdista por los conservadores, sin embargo, sus ideas progresistas y su rechazo a la política seguida en Irak (y en la guerra, en general) tiene cada vez, más adeptos entre los jóvenes votantes. Además, sabe dónde está el futuro de la comunicación (internet), aunque no sepa realmente utilizarlo en primera persona.

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Como veterano en este mundillo, ha tenido que transigir con muchas ideas y personas, pero una cosa debe quedar claro (y se lo dice a su esposa Cindy -la actriz Jennifer Ehle-):jamás pactará con Thompson, es el mismo “diablo”.

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Evan Rachel Wood es la becaria Molly. A pesar de ser hija de senador, su juventud acarrea inexperiencia e ingenuidad. Aún la mueve más el corazón que la cabeza, y eso, en política a veces tiene consecuencias impredecibles.

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Philip Seymour Hoffman, como en casi toda su carrera,despliega altas dosis de solvencia, incluso en papeles menores. Su Paul es fruto de muchos años de trabajo y de haber visto de todo. A pesar de ello, mantiene una energía increíble. No le importa enseñar a la gente lo que sabe, pero exige a todos lealtad.

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Paul Giamatti es otro “toro” de la interpretación. En papeles, incluso inferiores al de Hoffman en presencia en pantalla, aporta toda la convicción que su rostro curioso y sereno es capaz de transmitir. En este caso, el físico de hombre corriente y discurso adulador viene como anillo al dedo. En el mar de pirañas que es la política, Tom Duffy, su personaje, se mueve tan libremente como un tiburón.

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Marisa Tomei es la réplica femenina a ambos. Su Ida sigue la política con pasión, porque es muy profesional en su trabajo, pero aparece totalmente descreída de los intervinientes en ella. Ha investigado mucho y le han contado demasiadas cosas,  para tener tan claro que “tarde o temprano, todos (los políticos) te defraudan. Así es la política”.

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El resto del elenco, con mucha menor enjundia raya a gran nivel en sus escasos momentos:

Jeffrey Wright, como el senador “codiciado” Thompson, no por quién es, sino por cuántos le apoyan. Sabe muy bien como funciona el juego, y espera complacido “el movimiento de las piezas”.

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Gregory Itzin es Jack, el padre de Molly. Ocupando un alto cargo en el partido demócrata (jefe del Comité Nacional) conoce muy bien los peligros del mundillo en que se ha iniciado su hija. Aporta el humanismo justificado en una situación extrema.

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Max Minguella es Ben, uno de los miembros de la campaña de Morris. Está aún verde en política, pero asiste en primera persona a un curso acelerado de lo que es política…y lo que no lo es.

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Cualquiera de las actuaciones tan destacadas (y lo son todas) no serían ni la cuarta parte de meritorias, sin la presencia de un sobresaliente guión. Perfecto en todos sus matices. Diálogos frescos, chispeantes, afilados, ingenuos, maliciosos, en los que no sobra ni falta nada.

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Logra que de un tema tan “árido” en principio, como es el de la arena política, nos interese y llegue a atraparnos. Al fin y al cabo, los que intervienen en él son personas, con sus virtudes y defectos, con sus miedos y sus inquietudes, etc…

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Recibió una infructuosa nominación a los Premios de la Academia (en el apartado de mejor guión adaptado).

En el apartado técnico destacan dos elementos, por encima de los demás:

– La extraordinaria música de Alexandre Desplat. Ayuda enormemente a ensalzar y a descifrar la tensión in-crecendo que provoca los sucesivos aconteceres de la trama. Los momentos más vitales del film vienen acompañados de las notas de Desplat. Su virtud no se circunscribe a la belleza: también emocionan considerablemente.

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– El montaje de Stephen Mirrione (habitual colaborador de Soderbergh, Iñarritu o del propio Clooney). Logra una máquina perfecta de menos de dos horas de duración. Era fácil perderse por las ramas, por los vericuetos de la farragosa política, y sin embargo, como en el guión, no sobra ni falta nada. Todo es grano, y nada paja, teniendo como culminación un momento único.

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– La fotografía del genial Phedon Papamichael. El griego demuestra una vez más su maestría, si no tenía bastante con los enormes trabajos anteriores (Los descendientes, Entre copas, Walk the line…). Aporta una fotografía natural, al servicio de la historia, sin restarle protagonismo, pero aportando las tan deseables “gotas” de autor.

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– El diseño de producción de Sharon Seymour, la responsable en su apartado de gran parte de lo mejor de los últimos tiempos (Adiós, pequeña, adiós, The town, Argo…). Especialmente interesantes, por sugerentes, son las escenas de “confidencias”. Esos apartados en los que se dicen cosas que no conviene que los demás conozcan (aún), y que sirven como necesarias vías de escape o de descongestión a lo asfixiante de la trama.

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En resumidas cuentas, un film nada pretencioso, sobre un mundo que provoca y alienta las mayores ambiciones humanas. Clooney dirige con mano sabia y además, pese a aparecer con maestría en pantalla, cede todo protagonismo al resto del elenco.

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Un elenco, rico en personajes con matices, porque nadie es bueno ni malo en su rotundidad, son las circunstancias las que determinan tal calificativo en cada momento.

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Situaciones normales que en la vorágine de la campaña, adquieren la velocidad de las armas mortales. Muchas veces, no matan, pero llegan a provocar heridas difícilmente curables.

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Calificación. 9,50.

 

 

 

 

Kramer contra Kramer (Kramer vs Kramer, Robert Benton, 1979)

El 24 de diciembre de 1979, llegaba a los quioscos la publicación semanal New York Magazine, que contenía un artículo dedicado a Robert Benton, el director de Kramer vs Kramer,  uno de los filmes que más expectación había suscitado esas semanas.

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En ese artículo, que vio la luz unos pocos días después del estreno del film en los EEUU,  un ejecutivo de la industria del cine hollywoodiense se refería al director texano de 47 años  de edad: “Hasta hace tres días, a Robert no se le había prestado demasiada atención”.

Resultaba frustrante que alguien que había demostrado suficiente talento para hacer cine (había escrito, junto a su amigo David Newman, el guión de Bonnie & Clyde;  de la comedia de Bogdanovich, Qué me pasa, Doctor? ; del western tan peculiar de Mankiewicz, El día de los tramposos, o incluso, el de Superman) durante una década, sólo hubiese podido dirigir (antes de este drama familiar) dos películas, con un exasperante intervalo de cinco años entre una y otra.

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Sería con el tercer intento,  con el que consiguió que todos, ahora ya sí, conocieran muy bien su nombre. Para ello, él mismo (esta vez, sin Newman) adaptó una novela del neoyorquino Avery Corman, publicada un año antes, en 1977, titulada Kramer vs Kramer. El libro recogía las difíciles situaciones que se producen cuando una pareja se separa, y tenía, como punto culminante, la disputa de la custodia del hijo de ambos, en los tribunales.

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El protagonista de la historia es Ted Kramer, un ejecutivo (director artístico o creativo) de una empresa de publicidad. Lleva séis años casado con Joanna, una guapa, pero triste mujer, y tienen un hijo, el pequeño Billy, de esa misma edad.

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Pero a decir verdad, a ninguno dedica tanto tiempo como a su trabajo. Es tal el esfuerzo que pone (horas y horas de trabajo) y la calidad de su labor, que los jefes le han asignado un proyecto de gran magnitud de un cliente muy importante.

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La misma noche que regresa  con la “buena nueva”, dispuesto a ser felicitado, en cambio,  su mujer le está  esperando en el sofá, con las maletas hechas, dispuesta a marcharse de casa. Él, incrédulo y aturdido, contempla como Joanna le deja el recibo de la lavandería, las tarjetas de crédito y la libreta del banco (de la que ha sacado el dinero que ella metió cuando se casaron), las llaves…y un niño de séis años que duerme plácidamente en su cuarto, ausente de todo lo que está ocurriendo fuera de esas cuatro paredes.

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No puede pasar ni un minuto más allí, porque se está muriendo por dentro. Dice que es una mala madre y que Billy estará mejor con él…y además, ya no quiere a Ted.

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Lo que debía haber sido una rabieta de unas cuantas horas o, a lo sumo, unos cuantos días, se vuelven semanas y hasta meses. Ted da por hecho que Joanna no va a volver.

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Y la que parecía la “enemiga mayor” del vecindario, Margaret, una vecina de un apartamento próximo al de los Kramer, (“seguro que Joanna y tú habéis estado hablando sobre todo eso del feminismo, el divorcio y esas tonterías”),  terminará siendo el mayor de los consuelos para el padre de Billy. Entre los dos, se irán lamiendo las heridas de sus respectivos fracasos sentimentales.

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Ted, a base de grandes esfuerzos y de altas dosis de paciencia y entendimiento (de tiempo, en definitiva), irá fortaleciendo aquel vínculo padre-hijo, que durante años, desatendió.

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Ahora está pluriempleado. Tiene que trabajar fuera de casa, y tiene que hacer de padre…y de madre.

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Lo peor está por llegar. Las cosas se le tuercen en la empresa, debido a sus múltiples preocupaciones, y para colmo, después de quince meses, aparece de nuevo, en sus vidas, Joanna. Y viene dispuesta a arrebatar a Ted lo que éste más quiere, lo único que le queda.

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Como cualquier gran película que se precie de serlo, primero debe funcionar en el casting de los actores. Kramer contra Kramer no fue una excepción.

Dejando a un lado los rumores acerca de si querían a Pacino como Ted Kramer, cuenta el director que su primera elección y la del productor del film, Stanley R. Jaffe, para el papel protagonista, siempre fue Dustin Hoffman. Hasta Europa tuvieron que viajar para convencerle. El actor, que una vez leído el guión, no estaba muy receptivo, les atendió…y se obró “el milagro”.

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Hoffman, por aquel entonces, estaba viviendo en sus propias carnes, la angustia de una separación (la única en su vida, de su primera esposa, Anne, con quien compartía dos hijas -Karina, adoptada, de un matrimonio anterior de Anne, y Jenna, fruto de su matrimonio-), y no veía reflejada su situación, ni sus pensamientos, ni sus sentimientos en lo que había escrito Benton.

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Entre los dos llegaron a una especie de acuerdo: irían charlando y discutiendo, en los días y semanas venideros, el guión y sus matices, los problemas de Dustin en su matrimonio y lo que estaba viviendo ahora mismo, y así, ir puliendo el escrito inicial para que el actor se sintiera en las entrañas de Ted Kramer. Obviamente, las “lineas maestras” (del libro de Corman y del guión de Benton) quedaban salvaguardadas, pero el margen de maniobra era bastante amplio, y Benton permitió a Hoffman operar, introduciendo elementos nuevos, pero fantásticos, como un guionista más. La “colaboración” no solo alcanzó esta fase, sino que cuando rodaban, fue usual que se parara el trabajo durante minutos, para que el actor, totalmente implicado en el proyecto y muy inspirado, introdujese nuevas situaciones que aportaban autenticidad y frescura a la historia.

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También fue un acierto completo la elección de Meryl Streep, en el papel ingrato de Joanna Kramer. Con muchos menos minutos para el lucimiento (solo aparece al principio y al final de la película) debía aparecer desquiciada pero no mala. Abandonaba a Billy, no porque no lo quisiera (de hecho, lo había estado cuidando sola durante casi séis años), sino precisamente, porque lo quería demasiado y sabía que, en su situación emocional, era lo mejor para el niño.

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Su colaboración, sin llegar a los niveles de Dustin, en la historia del film, también es destacada. Ella misma (por encargo de Benton) escribió varias escenas-clave, entre ellas, la declaración en el estrado del juzgado, alegando sus razones para ser ella la que debía quedarse con la custodia del niño.

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En este sentido, fue todo un acierto (muy elogiado desde entonces, cuando se habla de este film) el que mostrara esa necesaria equidad en la bondad y en la maldad de ambos personajes, masculino y femenino, Ted y Joanna, en una historia donde todos, a la postre, resultaban perdedores.

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La tercera gran elección fue la del niño Justin Henry, en el papel de Billy Kramer, el “objeto” de la disputa. Desde el casting fue tal la química que se produjo entre padre e hijo, que fue sencillo decantarse por él. Como decía Meryl: “Dustin se esforzó mucho en lograr que el niño lo quisiera”. Y lo consiguió.

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Los dos llevan el peso del film de manera extraordinaria. Muy pocos niños a lo largo de toda la historia del cine, han sabido plasmar con total y pasmosa naturalidad, sus sentimientos en pantalla.

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Lo que aprendió de niño (reconocía un Justin Henry ya adulto) de su “padre” en la ficción, en unos pocos meses, es lo que la gran mayoría de actores llegan a conocer, solo después de años de preparación y de trabajo.

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La cuarta elección, pero no menos importante, fue la de la vecina Margaret. Escogieron a la bostoniana Jane Alexander, que precisamente, había coincidido con Hoffman anteriormente, en Todos los hombres del presidente, de J. Pakula. Es cierto que su papel fue reducido en la sala de montaje, pero los momentos en que aparece en pantalla, siempre en presencia de Ted, son muy humanos.

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Es la mano que necesitan, padre e hijo, cuando nadie les ayuda. Ha pasado por una separación y también tiene prole. Gracias a ella, aprenderá lo que siente una mujer durante ese trance.

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Del resto de actores, todos muy competentes, hay que resaltar a Howard Duff, por la magnífica interpretación del abogado que lleva el caso de Ted, John Shaunessy. Sus honorarios son bastante elevados, pero en el estrado demuestra con su trabajo, que vale cada uno de esos dólares. El caso de la custodia de un niño pequeño es muy duro cuando el otro litigante es la madre, y tendrá que tirar “con toda la munición”.

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George Coe también luce como Jim O’Connor, el jefe de Ted en la empresa. Verá, primero, con recelo, y después, con enojo, como el Ted padre va “comiendo” dedicación al Ted “empleado ejemplar”.

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La enorme colaboración que Robert Benton permitía a sus actores (en búsqueda obviamente, de mayor espontaneidad en los diálogos, pero también de mayor implicación en el proyecto común) chocó de frente, en el caso de Meryl Streep, con la realidad. Por aquellas fechas, ella intercalaba el rodaje de Kramer vs Kramer con el de Manhattan, de Woody Allen (por cierto, localizadas en las mismas calles del Upper East Side neoyorquino). Cuenta la actriz, que en una escena que filmó Allen, al terminar su actuación la Streep, el director se acercó a ella y le dijo: “Hay una coma entre esta y esta palabra”. La actriz aprendió aquel día que la “colaboración” se daba pocas veces en el cine.

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En el plano técnico, destaca la naturalidad de todos los aspectos (fotografía, música…), al servicio de lo realmente importante: los personajes y su historia.

El catalán Néstor Almendros llevaba años exiliado al otro lado del charco. Primero en Cuba, posteriormente, en París,  y después en América, desarrolló, con gran maestría, una carrera en la dirección de fotografía.

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Llegaba a este proyecto, avalado por el fantástico trabajo, merecedor de un Oscar, en Días del cielo, de Malick. El considerado como “maestro de la luz”, aportaba una vez más, una fotografía natural, que situaba a los personajes en los lugares que habitan y ocupan y en la hora del día y la época del año en que viven. El paso del tiempo (a lo que ayudaba o remarcaba esta fotografía) también contribuía a destacar el cambio producido en las gentes y sus historias.

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Las localizaciones del NY de finales de los 70, son fantásticas, y más, si se ama la ciudad de los rascacielos. Filmada en el Upper East Side (barrio entre Central Park y el East River), sus calles, llenas de coches (no olvidemos que es pleno Manhattan), sus parques (donde juegan los niños y sirven de oxígeno para la ciudad), sobre todo el Central Park, sus edificios (las plantas altas, donde se ve todo Manhattan), …, todo aparece de forma muy bella y natural. Es cierto que no hace falta construir este magnífico set, pero no por ello, hay que dejar de admirar una vez más, uno de los más bonitos escenarios para rodar una película de todo el mundo.

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Si se dice que cualquier época del año es bonita para el visitante, también para rodar (y lo vemos en Kramer vs Kramer) las distintas estaciones ofrecen postales inolvidables (hojas que se caen, nieve, etc…).

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La música es también simple, pero impregnada de ese sentimiento amargo, aunque realista. Desde el clásico Concierto en C mayor para mandolina y cuerdas, de Vivaldi (que acompaña desde los créditos iniciales hasta el final, incluida esos músicos callejeros que la tocan, la noche de “fortuna” de Ted) Vivaldi-Kramer vs Kramer hasta las aportaciones de John Kander (responsable de las canciones de Cabaret, por ejemplo), entre otros.

El montaje de Jerry Greenberg abunda en esa naturalidad de la historia. Solo pone énfasis en los momentos de “sobresalto” de la narración (huida de Joanna, accidente de Billy, aparición de la “nueva” Joanna…)

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Quiero destacar tres apartados, no siempre citados en los films:

– La ya citada labor de casting de Shirley Rich, que ya sabía dónde buscar “lo bueno” en NY: Serpico, Fiebre del sabado noche, etc…

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– El director artístico, creador de los sets, Alan Hicks (que venía de la serie de tv, Kojak). Son fantásticas las habitaciones de la casa de los Kramer, y el salón, constantemente “salpicadas” de juguetes esparcidos, dando constancia de la presencia de un niño en casa.

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Hay un plano donde Ted, aun deseoso de que Joanna vuelva a casa, llama desde el trabajo, y vemos el teléfono, sobre la cama de matrimonio, sonando, sin contestar nadie, con todos los elementos de esa habitación como simples testigos mudos de esa escena.

– El estilismo (peluquería) de Joe Coscia (Tootsie, Esencia de mujer, Adaptation…) y el maquillaje de Alan Weisinger (Tootsie, Uno de los nuestros, El silencio de los corderos…). Si Meryl Streep agradeció, en el discurso de aceptación del Oscar por La dama de hierro, los muchos años de J. Roy Helland, como su maquillador en todas sus películas, desde La decisión de Sophie, en 1982, es de justicia agradecer y alabar el enorme trabajo (aunque fácil al mismo tiempo, dada su belleza) de mostrar más guapa y natural que nunca a una mujer que sufre y llora en pantalla.

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– Kramer contra Kramer fue la gran triunfadora en los Premios de la Academia de 1979. Obtuvo 8 nominaciones, llegando a conseguir 5 estatuillas: mejor película, mejor directo (Benton), mejor guión (Benton), mejor actor principal (Hoffman) y mejor actriz de reparto (Streep). Alexander, a mejor actriz de reparto, y Henry, a mejor actor de reparto (el más joven en cualquier categoría de actuación) también “compitieron”. Almendros obtuvo una merecida nominación a mejor fotografía, igual que el montaje de Greenberg.

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En los Bafta británicos obtuvo muchas, pero infructuosas nominaciones (aquel era el año de El hombre elefante, de Lynch).

Y en los Globos de Oro, recibió los premios a mejor película de drama, mejor director, mejor actor de drama, mejor actriz de reparto y mejor guión.

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Además, tanto la crítica de NY como la de L.A, consideraron a Kramer vs Kramer el mejor film del año, y a Hoffman y Streep, mejor actor principal y mejor actriz de reparto, respectivamente.

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En resumen, y para finalizar, decir que muy pocas veces en el cine, un director sabe crear una magia especial en el set de rodaje, que magnetiza a todos los actores y a todos los técnicos que intervienen en el film, que les “obliga” con gusto a dar lo mejor que tienen y más, incorporando experiencias propias (el divorcio de Hoffman o la muerte de Cazale, pareja de Streep) que enriquecen aún más un fantástico guión.

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Unos actores, en la cumbre de su actuación, que muestran sus sentimientos hasta en el último de los poros de su piel, con un niño (Justin Henry) realmente único en el séptimo arte.

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Y una historia, la de los divorcios,  usual, sí, pero admirablemente abordada, desde los pequeños detalles (y no con vagas generalidades propias de cualquier guionista común), salidos de las experiencias de gentes que habían pasado o estaban atravesando tan difíciles momentos.

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Hasta el propio Robert Benton, en aquella entrevista publicada el día de Nochebuena de 1979 (cuando aún no se podía calibrar la enorme repercusión que iba a tener el film) en NY Magazine reconocía que Kramer vs Kramer tenía mucho de su relación con su hijo: “Es la forma en que desayuno con mi hijo cada mañana. No nos decimos nada, pero es uno de los momentos más felices de mi vida”.

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Muchos espectadores se vieron identificados (en los setenta se dispararon las separaciones, y el rol de la mujer y del hombre, en el hogar, evolucionaba a pasos agigantados) y llenaron las salas.

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La misma dureza y frialdad de los juicios sobre custodia de niños (donde se están dirimiendo sentimientos) cambió la mentalidad de toda una generación de personas, entre ellas, de jueces que tenían que administrar justicia en esos mismos tribunales.

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Calificación: 10

 

 

Sometimes love just ain´t enough – Patty Smyth (with Don Henley)

En 1992, Patty Smyth lanzaba su segundo álbum en solitario, de título homónimo. Se cumplían algo más de diez años, desde que iniciara su singladura en la música, al frente de la neoyorquina banda de rock, Scandal, a principios de los 80.

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Atrás quedaban ya los recuerdos de las vivencias con la banda: de una breve aparición de Jon Bon Jovi (antes de emprender, en serio, su carrera con el grupo que le consagrara), de una amistad deteriorada con el guitarrista Zack Smith, y de otra buena relación que aún perdura con el otro guitarrista, Keith Mack.

También habían pasado ya cinco años desde que editara su primer trabajo en solitario, en 1987, aquel que iba a ser, en principio, una continuidad de la banda Scandal. Lo curioso del disco de debut de Patty es que contenía una versión del tema de Tom Waits, Downtown train, que unos años más tarde, llevaría a los puestos más altos de las listas, el escocés (de raíces y de corazón)  Rod Stewart.

Con el siguiente, y a la postre, último trabajo en solitario de la neoyorquina, volvería a probar las mieles del éxito.

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Con un contenido más comercial que el primero, alcanzó el disco de oro, debido sobre todo, a la preciosa balada, lanzada como primer single, Sometimes love just ain´t enough, cantada a dúo con el ex-miembro de The Eagles, Don Henley.

Ambos, álbum y single, fueron publicados simultáneamente, en agosto de 1992. En muy pocos días, el sencillo debuta en el Hot 100, y en apenas mes y medio, rozaba la cumbre de la lista, llegando al número 2, donde permaneció parte de septiembre y todo el mes de octubre (séis semanas). Solo la hermosa balada End of the road, de los Boyz II Men (número 1 durante 13 semanas) la privó de la gloria absoluta en la lista de singles.

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En la Adult Contemporary songs el triunfo fue aún mayor si cabe, permaneciendo 4 semanas en el 1 (entre septiembre y octubre de 1992). No se pudo decir lo mismo en UK, donde apenas alcanzó un decente puesto 22 en la UK Singles.

Sometimes love just ain´t enough – Patty Smyth (with Don Henley)