Happy hour – The Housemartins

En 1983, el cantante Paul Heaton y el guitarrista Stan Cullimore, dos jóvenes, de apenas 20 años, procedentes de la localidad de Hull (oficialmente conocida como Kingston upon Hull), en el condado del East Yorkshire, en Inglaterra, formaban un dúo musical.

En  1986, y tras diversos cambios en la formación, finalmente The Housemartins (los dos anteriores, más el batería Dave Hemingway y el bajista Norman Cook -conocido posteriormente, en solitario, como Fatboy Slim) lanzaban al mercado su primer álbum de estudio, titulado London 0 Hull 4.

Este destacable trabajo recibía su nombre de la frase pronunciada alguna que otra vez, por Heaton: “los Housemartins somos la cuarta banda más importante de Hull” (las otras tres eran, según él, el grupo indie Red Guitars, los posteriormente famosos Everything but the girl, y The Gargoyles.  Obviamente, y a modo de provocación, en Londres no había ninguna banda que mereciera la pena.

El éxito del disco, que debutó en el número 3 de la lista de álbumes de UK, la semana del 5 de julio de 1986 (cuando Invisible touch, de Genesis, lideraba los discos más vendidos), se debió en gran medida a la gran repercusión que tuvo en listas británicas, por las mismas fechas,  el tercer sencillo del mismo, titulado Happy hour.

El título del tema hacía alusión a la famosa estrategia seguida por bares y pubs en Gran Bretaña (y extendida a muchos otros países), de calificar como “hora feliz” aquel tramo horario del día en el que, para aumentar el consumo de alcohol, se disponen precios más asequibles al bolsillo del consumidor.

El single tuvo una enorme exposición, en radios y en televisión, a través de un vídeoclip, en el que aparecen, al mismo tiempo que imágenes reales del grupo en un pub, figuras de plastilina de todos los que asisten al happy hour de un día cualquiera. Entre ellos aparecía el famoso por entonces comediante televisivo británico Phill Jupitus.

El impacto también tuvo su repercusión en la lista de UK Singles. Happy hour debutaba a principios de junio de 1986 y para finales de mes (concretamente, la semana del 28 de junio), alcanzaba su posición más alta, el número 3 (cuando el dúo Wham! y su The edge of heaven, comandaban la lista de sencillos más importante de las islas) durante dos semanas consecutivas.

Se dice que la presencia en el vídeo, de Jupitus (leyendo un periódico) fue clave para el éxito del single y por extensión, de ese primer álbum. Algo de cierto habría pues es un hecho que el comediante salió, posteriormente,  de gira con la banda, haciendo de maestro de ceremonias de esta.

Happy hour – the Housemartins

 

Billboard charts : Semana del 9 de marzo de 2013

– En el Hot 100:

1. Harlem Shake … Baauer (segunda semana consecutiva)

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El fenómeno streaming de Youtube, ese impacto viral que supone la irrupción brutal de este productor de Brooklyn en las redes, sigue cautivando al gran público. La semana pasada, con la inclusión de los datos de Youtube a la composición de numerosas listas de singles del Billboard (la más importante, este Hot 100), Baauer debutaba directamente en el 1.

La canción y el baile, y los vídeos de 30 segundos en la red, con gente normal por la calle, “dándolo todo”, son un fenómeno irresistible para muchos. De ahí, las millonarias visitas (98 millones de streams, frente a los 103 de la semana pasada) y la segunda semana en el 1 del Hot 100.

Harlem shake – Recopilación de vídeos

Pero el asunto va más allá de los videos de la gente. El tema por sí mismo, está triunfando. Debuta en el 17 de la On-Demand songs (Spotify y similares) y sube del 3 al 2 en la Digital songs (descargas legales vendidas).

Recordemos la importancia del fenómeno Harlem shake. En su momento, cuando se publicó la canción, en junio de 2012, pasó sin pena ni gloria. Sin embargo, Youtube y los famosos vídeos de 30 segundos, han provocado la hecatombe.

En las radios empieza a sonar muy fuerte. Esto se debe a que inicialmente fue lanzado o promocionado por un sello independiente (Mad Decent), pero ahora una major (Warner) se sube al carro y es la que promociona Harlem shake por todo EEUU.

El tema, además, repite en el 1 de la  Dance/Electronic Songs.

Harlem Shake (tema original) – Baauer

2. Thrift shop … Macklemore & Ryan Lewis, featuring Wanz (repite posición)

Estuvieron 4 semanas en el 1 del Hot 100 y siguen en el 1 de la Digital songs, por séptima semana. Empatan a semanas en lo más alto de esta sub-lista, que se creó en 2003 (el otro tema que estuvo todo ese tiempo en el 1 de la Digital songs  es We are young, de fun). También continúan en el 1 de la On-Demand songs, y suben del 4 al 2 en la Radio songs.

En la Hot R&B/Hip-Hop Songs son los “reyes” ya por séptima semana.

3. When I Was Your Man … Bruno Mars (subida desde el 8)

Su éxito se debe a que sube en todos los frentes que componen el Hot 100: del 16 al 11 en la Radio songs, del 4 al 3 en la Digital songs y roza el top-10 en las descargas streamings.

4. I Knew You Were Trouble … Taylor Swift (subida desde el 5)

Este tema, que lograra alcanzar el 2 hace varias semanas, consigue mantenerse entre los más importantes.

5. Scream & Shout … will.i.am and Britney Spears (baja desde el 4)

El que fuera número 3, intercambia posiciones con el tema de Swift.

Terminar destacando el nuevo top-10 conseguido por Lil Wayne “Love Me,” featuring Drake and Future, sube del 19 al 10. Es el top-10 en el Hot 100, número 18 en la carrera del rapero. Empata en números con Ludacris y se queda a uno (19) de igualar a Jay-Z, como el artista de rap con más top-10 en esta lista.

Como curiosidad, también destacar el dato de Drake. Aquí acompaña a Lil Wayne, pero a la vez, disfruta de un tema que él mismo lidera: Started From the Bottom, sube esta semana del 10 al 6. Es el top-10 número 12 en su carrera, y la primera vez, que tiene dos canciones entre los diez mejores, a la vez. 

Started from the bottom- Drake

Por su parte, es el primer top-10 de Future.

– En el Billboard 200:

1. Babel … Mumford & Sons (repite posición)

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Es la quinta semana no consecutiva que el álbum premiado como el Mejor Album del año en los Grammy pasados, lidera el Billboard 200.

Las ventas, frente a la excitación post-Grammy de la semana pasada, han caído considerablemente, en este y en otros discos del top-10.

Apenas 63.000 unidades le sirven para conservar el 1. Lo positivo es que es el dúo que más tiempo lleva con un disco en el 1 del Billboard 200 desde 2004 en que Outkast con Speakerboxxx/The Love Below, estuvieran 7 semanas no consecutivas siendo el álbum más vendido del país.

Las ventas del resto son tan pobres que, para encontrar un debut, hay que irse al número 20: Confessions, de la banda de rock de L.A.,  Buckcherry, vende solo 18.000 copias.

2. Unorthodox Jukebox … Bruno Mars (sube desde el 3)

El éxito de Mars no solo se circunscribe al Hot 100, sino que esta semana vende 48.000 copias de este nuevo trabajo.

3. All That Echoes … Josh Groban (sube desde el 5)

Vende 41.000 unidades de su último trabajo

4. “Now 45” album … Varios artistas (subida desde el 8)

Este recopilatorio de éxitos consigue vender 38.000 discos esta semana.

5. The Lumineers … The Lumineers (repite posición)

35.000 discos consiguen vender esta banda de folk-rock de Denver.

El graduado (The graduate, Mike Nichols, 1967)

En 1967, Mike Nichols,  tras su debut en el cine, con un grandísimo éxito  el año anterior, con ¿Quién teme a Virginia Woolf? (que le valió su primera nominación al Oscar en el apartado de dirección, entre otros premios destacados al film), volvía a llevar a la pantalla una adaptación de una novela.

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En este caso, se trataba del primer trabajo de un joven autor de San Francisco, llamado Charles Webb. En su novela El Graduado, editada en 1963, casi de modo profético, nos narraba la difícil y vital decisión de todo joven en algún momento de su existencia: “qué voy a hacer con mi vida?”.

El calificativo de profético deriva del hecho de que, toda una generación de jóvenes de finales de los 60, se vieron identificados con el protagonista de la narración, y lo que es más importante, les sirvió de inspiración para el resto de sus días.

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El novelista Calder Willingham (que hasta entonces, había colaborado en el guión de grandes films, como Senderos de gloria, El puente sobre el Río Kwai o Spartacus) por fin acabó teniendo el reconocimiento que buscaba. Junto a Buck Henry (que en esos instantes, disfrutaba del éxito de la serie Superdetective 86, que había creado con Mel Brooks para la televisión) adaptaron la novela de Charles Webb,  de manera magnífica, por cierto.

Pero, como “al César lo que es del César”, hay que reconocer que toda esa ironía y esos diálogos tan afilados e ingeniosos aparecidos en el film, estaban calcados prácticamente, de la novela de Webb.

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El protagonista de la historia, Benjamin Braddock (interpretado magníficamente por Dustin    Hoffman), es un joven que, al igual que el autor de la novela, cursa sus estudios superiores en el Este, en un pequeño college.

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Su regreso triunfal (ha reunido toda clase de reconocimientos en esos años de estudio) al dulce y pacífico hogar, en el verano en el que va a cumplir 21 años, viene acompañado de una bienvenida organizada “por todo lo alto”, por sus padres.

El Sr Braddock (William Daniels) y su esposa (Elizabeth Wilson) están muy orgullosos de la hazaña de su hijo, y así lo quieren mostrar y compartir con el resto de sus vecinos y amigos. 

Entre estos últimos, ocupan un lugar especial, los Robinson. El Sr. Robinson (Murray Hamilton) es socio del Sr. Braddock en una empresa jurídica y además, amigo íntimo de la familia. Su esposa, la Sra. Robinson (Anne Bancroft), madre de una joven, de nombre Elaine (Katharine Ross), con quien Ben salió alguna vez en el pasado, es esa mujer que siempre ha sido “como de la familia”, pero que sigue siendo una perfecta “desconocida”.

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El que, a ojos de la gente, debería ser el verano más feliz de su vida (el propio Sr. Robinson le aconseja que disfrute el momento) se torna en todo lo contrario. Ben no para de pensar que no ha hecho nada que merezca la pena. Además, una idea gira una y otra vez sobre su cabeza: “qué va a ser de mi vida?”.

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Sin embargo, en aquel verano de cervezas, piscina al sol y barbacoa,  y de deambular de aquí para allá, sin rumbo fijo, aparecerá una “novedad” en su vida. Ben seguirá al pie de la letra los consejos del Sr. Robinson y vivirá los meses más especiales, convulsos y determinantes del resto de su existencia.

En el plano actoral, hay que destacar el elevado nivel general de las actuaciones. Desde los protagonistas hasta los que simplemente dicen “una linea”, todos realizan una interpretación muy destacada. Lo curioso del caso es que el “trío” protagonista tenía bastante más edad que los personajes a los que daba vida. Aún así, a nadie le chocó este aspecto. Mérito de todos los participantes en la elección de los actores, pero también de estos, en su quehacer.

Dustin Hoffman, que encarna al joven graduado Benjamin Braddock, realiza una soberbia interpretación de un joven, supuestamente triunfante (reúne todos los méritos que auguran  un futuro halagüeño), pero que, harto de dudas existenciales, vaga “a la deriva”.

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El Sr. y la Sra. Braddock (William Daniels y Elizabeth Wilson, respectivamente) son esos padres cariñosos y orgullosos de su vástago. Han alcanzado cierto status de respetabilidad en la comunidad en la que viven, gracias, en gran parte, a las buenas relaciones que procuran mantener y fortalecer con los vecinos y amigos. Ellos, como otros, no comprenden el comportamiento de Ben, pero el joven tampoco los entiende a ellos.

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El Sr. Robinson (Murray Hamilton) es ese hombre “hecho a sí mismo”, que ha conseguido todo lo que tiene (una bonita familia y una vida cómoda) en base únicamente a su esfuerzo. Echa de menos haber disfrutado más de su juventud, y por eso aconseja a Ben que lo haga.

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La Sra. Robinson (Anne Bancroft) es esa mujer de clase, respetada en la sociedad, que vive una vida “perfecta”,  de casada con familia, llena de lujos y comodidades,  pero que, en el fondo, se siente totalmente insatisfecha y vacía. De otro modo, pero al igual que Ben, vaga “a la deriva”.

Katharine Ross (Elaine Robinson), encarna a esa chica dulce, y hasta ingenua, que destinada a estudiar y  convertirse en otra ama de casa, se verá inmersa en un triángulo amoroso convulso y viciado, afilado y amargo, del que saldrá convertida en uno de sus vértices.

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El resto del elenco lo componen personajes de corta, pero apreciable aparición, como el Sr. McGuire (Walter Brooke), otro de los amigos invitados a la fiesta de bienvenida de Ben (que, como todos, aconseja al muchacho sobre su futuro: “plásticos, muchacho”).

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O Carl Smith (Brian Avery), el muchacho alto y guapo, prometido de Elaine

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O Norman Fell, encarnando al Sr. McCleery, el dueño de la pensión donde se hospedan principalmente, estudiantes de Berkeley y también, Benjamin.

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O incluso, el conserje del hotel, interpretado por Buck Henry (uno de los co-guionistas, que se reservó para sí un papelito).

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Finalmente, y como curiosidad, la aparición de un jovencísimo, este sí,  Richard Dreyfuss que, con apenas 20 años, debutaba en el cine.

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En el aspecto técnico, prácticamente todos los elementos son extraordinarios:

– las localizaciones de la California soleada son maravillosas. Los trayectos en coche por las carreteras que bordean la costa, o el paso por algunos puentes de la zona  sirven de magnífica postal de las virtudes que el lugar puede ofrecer a propios y visitantes.

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La luminosidad que, casi siempre, se nos muestra, propia de uno de los estados más soleados de la nación, contrasta estupendamente con los nubarrones anímicos y sentimentales que se ciernen sobre los protagonistas del film. En este sentido, el blanco predominante de muchos escenarios (como la cocina de la casa de los Braddock, el interior de la casa de los Robinson, o la Iglesia, al final de la historia)

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o el azul cristalino y luminoso del agua de la piscina,

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abundan en ese contrapunto.

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– la utilización de la música de Simon and Garfunkel. Si hay unos artistas que reflejaron, con su música, la crisis de valores y lo confuso y convulso de la década de los 60, esos son, sin duda, este dúo neoyorquino. The Sound of silence o April come she will, ya estaban editadas en previos álbumes de la pareja, y a ellos se les sumó el nuevo tema, Mrs. Robinson. El éxito del film y la banda sonora, inesperado para Paul Simon, le “obligó” a crear una versión más larga, que el dúo incluyó en un álbum posterior. Aporta ese punto de melancolía, en ocasiones, y en otras, esa ironía que tan bien le sentaba al conjunto de la obra.

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Además de estas canciones, la música incidental, el score corría a cargo de Dave Grusin, que con El graduado, iniciaba una carrera plagada de éxitos, principalmente, a finales de los 70 y principios de los 80 (La chica del adiós, En el estanque dorado, Rojos, Tootsie…)

– el entonces, innovador y estimulante montaje de Sam O´Steen. Con una carrera posterior bastante consistente (Chinatown, La semilla del diablo, etc.), repetía el éxito en una nueva colaboración con Mike Nichols (tras el debut de este con Quién teme a Virginia Woolf? el año anterior). Especiales (de hecho, tanto, que han quedado en la memoria) son los planos en los que enlaza la presencia de Ben en la cocina, en la piscina y en la cama del hotel, o aquellos frenéticos planos y contraplanos de los protagonistas.

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– la fotografía de Robert Surtees es simplemente inmejorable. Como en muchas otras películas (La última película, Verano del 42 o El próximo año a la misma hora) ahonda en esa calidez y en esa nostalgia de la historia. Logra retratar en cada escenario (piscina, hotel-hall o habitación-, universidad, iglesia, o simplemente, la calle) un momento único en la vida de cada personaje.

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La repercusión del film comprende varios aspectos:

– Fue todo un boom en taquilla (el mayor éxito del año), y de hecho, si ajustamos lo recaudado a la inflación, sigue siendo uno de los mayores éxitos en la historia del cine en Norteamérica.

– Indisolublemente, va unida a la banda sonora de Simon & Garfunkel. Fue una de las primeras veces en que el éxito de una película repercutía en su música y viceversa. La fórmula, por exitosa, se trataría de repetir en las siguientes décadas.

– las extraordinarias interpretaciones de Dustin Hoffman, de Anne Bancroft o de Katharine Ross, responsables de momentos que han quedado en el recuerdo de cualquier cinéfilo. La química creada entre ellos (Ben-Sra. Robinson y Ben-Elaine), no por radicalmente diferente, dejan de ser común en lo soberbio.

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– toda clase de premios cosechados:

7 nominaciones en los Premios de la Academia (actor protagonista- Hoffman-, actriz protagonista – Bancroft-, actriz de reparto -Ross-, además de película, guión adaptado o fotografía) destacando el Oscar a mejor director para Mike Nichols.

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Hemos de considerarlo todo un logro, teniendo en cuenta, más que nada, las propuestas que se disputaban aquel año los premios (En el calor de la noche, Bonnie and Clyde, Adivina quién viene esta noche, A sangre fría, Doce del patíbulo…).

Diversos e importantes Globos de Oro (mejor película de comedia, mejor actriz de comedia-Bancroft- o mejor director)

Varios premios importantes en los Bafta británicos (curiosamente, entregados un año después de su estreno en EEUU), como mejor película, guión, dirección o montaje.

En definitiva, que estamos ante una propuesta ciertamente atractiva y completa. Una historia, en apariencia, poco trascendente, sobre las dudas existenciales de una juventud que se vio totalmente reflejada. En este sentido, el guión  supone una correcta traslación a la pantalla de un ya de por sí magnífico (y no reconocido del todo) trabajo de Charles Webb. Unas magníficas interpretaciones, sin duda, lideradas por un magnífico director de actores, Mike Nichols,  en uno de sus momentos más álgidos (el “back to back” de Virginia Woolf y El graduado es soberbio), y unos aspectos técnicos (montaje, música o fotografía) sobresalientes, hacen de esta historia, trágica en su fondo, pero cómica en sus formas, afilada e irónica en sus diálogos pero honda en su significado, una de las mejores películas de la historia del cine.

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Calificación: 10.

 

Scarborough fair (/Canticle) – Simon & Garfunkel

En la década de los 60, Paul Simon vivió por temporadas en Inglaterra. Concretamente, en 1965 conocía al artista folk inglés Martin Carthy, quien acababa de publicar su primer álbum, homónimo, en el que incluía el tema Scarborough fair.

Esta era una balada folk de origen medieval, publicada por primera vez en 1.673. Aludía el título a aquella importante feria que tenía lugar entre los meses de agosto y septiembre de cada año, en la localidad costera de Scarborough, en el condado de Yorkshire (al norte de Inglaterra). Tuvo tal éxito que prácticamente perduró durante cinco siglos y reunía a comerciantes de toda Inglaterra y países cercanos.

Con el transcurso del tiempo, fue cambiando en su letra y su música. La versión con la melodía que hoy en día todos conocemos, empezó a grabarse en la década de los 50 y en adelante,  por sucesivos artistas.

Simon realizó las adaptaciones y arreglos que consideró convenientes : entre otros, acompañó Scarborough fair de una adaptación de otra canción suya de 1963, titulada The side of the hill, que hablaba de un soldado, pero ahora con nuevo contenido antibelicista.

Esta segunda parte, a la que tituló Canticle, era una melodía y letra distinta (secundaria o acompañante) que casaba muy bien con aquella principal.

Scarborough fair/Canticle, también conocido como Parsley, sage, rosemary and thyme, perteneciente al disco de 1966 del mismo nombre, alcanzó la popularidad cuando se incluyó un año más tarde, en la banda sonora de El gradudado, de Mike Nichols.

Este disco, el de El graduado, lanzado a principios de 1968, supo rentabilizar el éxito de la película y elevó al dúo neoyorquino a las cotas más altas de ventas y popularidad que jamás había tenido. Con este trabajo (en el que incluía Mrs Robinson como nuevo tema, y otros temas ya editados, como The sound of silence o April come she will) y con el siguiente, Bookends, Simon & Garfunkel  dominaron durante meses el Billboard 200 (de abril a julio de 1968).

El primer sencillo de El graduado fue Scarborough fair/Canticle que, grabado para el disco anterior (en el verano de 1966), fue lanzado en febrero de 1968. En marzo ya entró en el Hot 100 y pocas semanas después rozaba el top-10, quedándose en un meritorio número 11, teniendo en cuenta la “rareza” del tema.

En UK alcanzó algún puesto más alto, concretamente, el 9 del UK Singles.

Se cuenta que Simon no comunicó a Carthy sus intenciones de utilizar el tema, y que esto los tuvo distanciados durante décadas. Finalmente, las aguas volvieron a su cauce, cuando en el año 2000, Paul, que actuaba en el Hammersmith Apollo, de Londres, hizo subir al artista folk inglés al escenario para que cantaran juntos Scarborough fair.

Simon and Garfunkel – Scarborough fair/Canticle

 

Atrápame si puedes (Catch me if you can, Steven Spielberg, 2002)

En el año 2002, por fin se llevaba a la gran pantalla la historia de uno de los más famosos timadores y suplantadores de personalidad de la segunda mitad del siglo XX en los EEUU.

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Frank Abagnale, ya siendo un hombre libre de todo cargo, co-escribió (junto a Stan Redding) un libro en el que relataba gran parte de sus andanzas en los años de su juventud (entre los 16 y los 19 años) , en la década de los sesenta. Publicado en 1980, hubo de esperarse hasta casi finales de siglo para que el proyecto de convertir esa historia en imágenes en el cine tomase cuerpo.

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Tras varios años en los que se barajó distintos nombres de directores (Fincher, Hallstrom o Crowe) y de actores (Gandolfini, Ed Harris), fue el propio Steven Spielberg, co-fundador de Dreamworks (poseedora de los derechos) quien asumió la dirección.

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Con un Leonardo DiCaprio que ya estaba elegido desde hacía algún tiempo (incluso cuando hubo que parar el proyecto por el compromiso del actor en el film Gangs of New York), fueron Spielberg y otro de los productores del film, Walter F. Parkes, quienes seleccionaron al resto del elenco (Tom Hanks, Amy Adams,Martin Sheen…).

La película empezaba a filmarse por fin, a comienzos del 2002, más de veinte años después de que Abagnale vendiera los derechos para llevar su libro a la gran pantalla.

Jeff Nathanson, quien hasta entonces solo era conocido por los guiones de secuelas (Hora punta 2 o Speed 2), recibió el encargo de escribir el guión basándose en esa “semi-autobiografía” de Abagnale. El resultado fue tan satisfactorio que, posteriormente, Spielberg contó con él para los guiones de La terminal o de la última entrega de Indiana Jones. Este guión de hecho, estuvo nominado en los Bafta (donde venció el guión de Adaptation).

Frank Abagnale, interpretado por DiCaprio, era un joven adolescente neoyorquino que vivía una apacible existencia en casa de sus progenitores.

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El padre, Frank Abagnale, Sr. (Christopher Walken) había estado en la Segunda Guerra Mundial. Precisamente en el frente, conoció a la que iba a ser su esposa, una jovencita y guapa francesa, de nombre Paula (Nathalie Baye).

Ya de vuelta del conflicto e instalados en New Rochelle, un pueblito cercano a Nueva York, el negocio familiar (una pequeña tienda)  prospera, lo que permite a la pareja y a su hijo vivir una vida confortable en una gran casa con todo tipo de comodidades.

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Sin embargo, su pacífica existencia se verá sacudida cuando a Frank, padre, se le deniega un importante y vital crédito en el Chase Manhattan Bank, el banco más poderoso del estado. El fisco le aprieta las tuercas, tras una profunda investigación de sus cuentas, y la negativa del banco, obliga a la familia a dar un giro a su vida, teniendo que marcharse a otro barrio de clase inferior.

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A los problemas económicos, le acompañarán los, muchas veces, adyacentes problemas de pareja que, finalmente, desembocarán en el divorcio.

Aunque ninguno de los tres (el padre, la madre y el hijo) volverá a ser el mismo, es Frank, hijo el que siente con más profundidad los vaivenes del destino. Incapaz de asumir la ruptura familiar y de quedarse bajo la custodia de cualquiera de ellos, huye desesperadamente del domicilio, del nido en el que vivía confortablemente.

A sus 16 años, iniciará el período más “agitado” y el que marcará el desarrollo de toda su vida.

En el plano actoral, el elenco es inmejorable.

Leonardo DiCaprio surte a su personaje de una riqueza de matices extraordinaria (lo que le valió una nominación a mejor actor principal en la categoría de drama, en los Globos de Oro (resultando ganador Jack Nicholson por A propósito de Schmidt).  Nos enseña a un Frank Abagnale joven, pero muy adelantado para su edad, listo pero ingenuo, pues sigue siendo un “crío”.

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Su inmadurez le meterá en más de un lío, pero su inteligencia y enorme encanto personal trabajarán en el sentido contrario.

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Christopher Walken aporta varios elementos esenciales para darnos cuenta de la complejidad de su personaje. Paradojas de la vida, aquel joven con el que no pudieron los alemanes en el conflicto armado, se ve derrotado en su propio país y a manos de su propia gente (Hacienda). No solo pierde su negocio y su familia, sino que también le arrebatan lo más preciado, su salud. Eso sí, la dignidad nunca podrán quitársela, aunque lo intenten.

Por esta interpretación logró estar nominado en los Premios de la Academia, en el apartado de mejor actor de reparto (Chris Cooper fue el vencedor, por Adaptation) y corrió mejor suerte en los Bafta (premios británicos del cine), donde sí ganó en el mismo apartado.

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Nathalie Baye, que interpreta a la madre del protagonista, aprovecha satisfactoriamente, los pocos minutos que aparece en pantalla. Acostumbrada a un estilo de vida placentero, hará lo necesario para seguir manteniéndolo, distando mucho de las vicisitudes que acompañarán a Frank, padre e hijo, de entonces en adelante.

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Tom Hanks encarna a Carl Hanratty, el agente del FBI que, harto de perseguir a Frank, Jr por todo el país sin obtener resultado, se tomará como un asunto muy personal, como una obsesión, el atrapar a este escurridizo personaje.

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Otros personajes destacados que aparecen “por el camino” son:

Martin Sheen, es el afamado fiscal de distrito en Louisiana, Roger Strong, y padre de Brenda. Con él, Frank trabajará durante la época en que éste trabajó en la justicia.

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Amy Adams es precisamente Brenda, la chica con la que Frank Abagnale, Jr pretende vivir el resto de sus días. La conoció en en hospital del estado de Georgia donde él es supervisor de urgencias y ella una enfermera. Ha sufrido en la vida, pero parece que con Frank, todo tiene “solución”.

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James Brolin, como Jack Barnes, socio de Frank, Sr y pareja posteriormente, de la ex-mujer de éste. Su personaje tiene pocas líneas, pero su significado es el desencadenante y condicionante de toda la historia posterior del film y de todos los que intervienen en él.

etc…

Enumeremos las muy diversas virtudes del film:

– En cuanto a la historia que nos ofrece, estamos ante una muy estimulante y emocionante aventura de persecuciones. Como muchas otras, nos queda siempre la incógnita de saber si cogerán al protagonista o no, y en cualquier caso, también nos sorprende las muy diversas evasivas de este a la acción de la justicia y los diferentes lugares por los que va saltando y sorteando la acción de la ley.

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Sin embargo, la trama de Atrápame si puedes nos aporta algo diferente, que enriquece la historia. Estamos ante personajes (perseguidor y perseguido) que son “buenas personas” y el “calor humano” que aportan a sus caracterizaciones nos hace identificarnos aún más con ellos.

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Ocurre la paradoja de que queremos, al mismo tiempo, que Frank, Sr sea atrapado y que huya, a partes iguales.

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En este sentido, es remarcable esa especial relación que se llega a alcanzar entre el agente del FBI y el protagonista de nuestra historia. El paso del tiempo ha hecho que cada uno sepa bastante de la vida del otro y que, de alguna forma, tomen conciencia de que hay muchas circunstancias que los acercan (la soledad, la profesionalidad en lo que hacen, cierta incomprensión de otros, etc…) Hanks y DiCaprio logran que la química entre ellos traspase la pantalla y se agradece enormemente.

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Otra relación realmente especial es la de Frank Abagnale, padre y Frank Abagnale, hijo. Es curioso contemplar cómo se pasa de ser el hijo el que admire al padre (cuando este es aún un personaje respetable) a ser, finalmente, el padre el que contemple con admiración e incluso, envidia, todas las aventuras de su vástago. Ambos lucharon contra el orden establecido, pero con diferente resultado y por distinta motivación: el padre, porque no le quitaran lo que ha conseguido y el hijo, por recuperar “lo perdido”.

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Especialmente emotiva es la escena en la que Frank, hijo le dice a su padre: “dime que pare, dímelo, y lo haré”. El padre le viene a decir que nunca lo atraparán, en tono de orgullo, y le interroga: ¿a dónde volarás esta noche, Frank, a algún lugar exótico?

En el aspecto técnico, el film es de una factura exquisita. Las distintas localizaciones (aeropuertos, hospital, juzgado, mansiones, hoteles, prisiones, países…) nos aportan una riqueza y variedad de planos muy atractiva. Tomemos como ejemplo, la entrada de Frank, acompañado de toda su tripulación de azafatas, al Aeropuerto de Miami.

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Otro elemento muy destacable, y relacionado con la soledad de los personajes, es la hermosa música de John Williams. Por un lado, el maestro colaborador de Spielberg vuelve a sus orígenes, cuando componía jazz. Las notas que aporta a la trama, nos adentran en la intriga, en la comedia, pero también en el drama. Especiales son los títulos de crédito iniciales (toda una declaración de intenciones del film) acompañados de la hermosa música de Williams

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o la huida hacia “quién sabe dónde” de Frank, hijo.

El trabajo de John Williams le permitió conseguir una nueva nominación en el apartado de mejor música original en los Premios de la Academia (finalmente venció la banda sonora de Frida, el proyecto liderado por Salma Hayek), y también en los Bafta (donde triunfó la banda sonora de Las horas).

Por otro, es también muy disfrutable, por la emoción que nos aporta, la exquisita y muy cuidada selección de temas de los sesenta, clásicos algunos de ellos de la época del año en la que los solitarios aún se sienten más solos: la Navidad. Cada uno de los temas (Embraceable You, de Judy Garland, Come Fly With Me, de Frank Sinatra, o The Christmas Song, de Nat King Cole, por citar algunos) nos envuelve de mayor significado e incluso, emoción, varias de las escenas-clave del film que, de por sí, ya venían cargadas de profundidad.

La música navideña de fondo en esas conversaciones “surrealistas” el mismo día de Navidad de diferentes años, que hace de nexo de unión de estos dos personajes tan peculiares,

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o ese “momento Nat King Cole” de DiCaprio volviendo al “hogar” son realmente conmovedores.

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También el montaje es de reseñar. No es fácil dar forma a las historias de cheques falsos y de personajes que huyen de otros, haciéndose pasar, también por otros, y todo ello, acompañado de momentos de humor pero también de encuentros realmente emotivos. Michael Khan lo logra a la perfección.

En definitiva, estamos ante un film que se deja ver con gran facilidad y con enorme disfrute, y que, analizado con cierta pausa, alberga mucha más hondura en lo amargo,

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aunque nos lo disimulen con toques de humor

Amy+Adams+og+Leonardo+DiCaprio+i+Catch+Me+If+You+Can

o ciertos elementos propios del prestidigitador más brillante.

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Calificación: 9,50.